театр современной пьесы актеры

Говорящее название. Как устроен театр «Школа современной пьесы»

«Школа современной пьесы» появилась в 1989 году, когда режиссер Иосиф Райхельгауз задумал создать собственный театр, где играли бы только пьесы, которые раньше нигде не ставились. В то время он плотно сотрудничал с «Современником» и Театром на Таганке, его хорошо знали зрители и уважали коллеги. За 10 лет до этого Иосиф Леонидович входил в состав режиссерской коллегии Театра имени Станиславского, но с этой должности его попросили уйти из-за… отсутствия московской прописки. Идея создать свой собственный театр зародилась уже тогда.

Прежде всего он задумался над тем, где его артисты будут репетировать и выступать, и приступил к поиску подходящего здания. Все это время рядом с ним были друзья и соратники — актеры Альберт Филозов и Любовь Полищук, именно они стояли у истоков «Школы современной пьесы». Втроем они много гуляли по центру Москвы, буквально исследовали каждую улицу. В итоге им приглянулся старинный особняк на углу Неглинной и Петровского бульвара. Обстоятельства сложились удачно, и в том же году Райхельгауз получил это здание.

203-летний особняк

Особняк, построенный в 1816 году, имеет славное прошлое. Именно здесь до революции располагался ресторан «Эрмитаж» под руководством легендарного повара Люсьена Оливье. Рецепт своего знаменитого салата, без которого сегодня не обходится практически ни одно застолье в нашей стране, он создал именно здесь. Вообще место было очень популярным: композитор Петр Чайковский праздновал здесь свою свадьбу, Федор Шаляпин выступал бесплатно для друзей, а писатель Иван Тургенев отмечал юбилей.

Одна из самых ярких страниц «Эрмитажа» — празднование Татьянина дня. Традицию ввели профессора и студенты Московского университета. В этот день было принято приезжать в ресторан и гулять до первых петухов. Пол застилали опилками, чтобы не запачкать, дорогую посуду меняли на дешевую — чтобы не жалко было бить. Гости много пили, пели и выкрикивали политические лозунги.

Ресторан просуществовал до 1917 года, затем в здании организовали Дом колхозника. Специалисты со всей страны проводили в нем слеты, могли остаться здесь на ночлег. Чуть позже в особняке открылся кинотеатр «Труд» на 400 мест. А перед войной сюда переехало издательство «Советская наука», которое потом переименовали в «Высшую школу». Выпускали в основном учебники для вузов.

Здание много ремонтировали в XIX веке. В начале ХХ столетия над ним работал известный архитектор Александр Бруни, который предложил провести сюда канализацию. После этого ремонт в особняке не делали больше ста лет — первая масштабная реконструкция закончилась совсем недавно.

«Школа современной пьесы»: начало

Едва получив здание, Райхельгауз и его команда приступили к репетициям первого спектакля — «Пришел мужчина к женщине» по пьесе Семена Злотникова. Премьера состоялась 27 марта 1989 года. Постановку наградили премиями за режиссуру и лучшие мужскую и женскую роли, их сыграли Альберт Филозов и Любовь Полищук.

Театр прогремел на весь город. Следующие премьеры — «Поджигатель» по Максу Фришу и «Все будет хорошо, как вы хотели» по Семену Злотникову — собирали полные залы. Еще через год «Школа современной пьесы» поехала на первые гастроли — сразу в Израиль. Спустя некоторое время Иосиф Райхельгауз поставил спектакль «А чой-то ты во фраке», где главные роли также сыграли Филозов и Полищук. В последующие годы стали проводить вечера Булата Окуджавы и музыкальные вечера, участвовать в разнообразных фестивалях. Первые концерты певицы и актрисы Елены Камбуровой также прошли на сцене этого театра.

В 1994 году — громкая премьера: актер и режиссер Сергей Юрский ставит спектакль «Стулья» по пьесе Ионеско в собственном переводе. Другая премьера — спектакль Райхельгауза по пьесе Николая Климонтовича «Без зеркал». В следующем году — еще несколько новых спектаклей. На сцене блистают Лев Дуров, Владимир Качан, Ольга Гусилетова, Мария Миронова, Михаил Глузский, Армен Джигарханян и другие.

В 1998-м спектаклем Райхельгауза «Любовь Карловны» по пьесе Ольги Мухиной открылась сцена «Зимний сад» на 200 зрителей. Тогда же в труппу пригласили новых артистов — выпускников актерской мастерской ВГИКа. Первое десятилетие театра в 1999 году отметили с большим размахом: на один вечер большой зал снова превратился в тот самый ресторан «Эрмитаж».

В 2000-е годы с театром начинает сотрудничать Евгений Гришковец. По его пьесе ставится спектакль «Город», который показывают на международных театральных фестивалях. С 2016-го драматург сам выходит на сцену в одной из самых аншлаговых постановок театра — «Пока наливается пиво».

В 2003-м «Школа современной пьесы» стала учредителем международного конкурса современной русскоязычной драматургии «Действующие лица». Лучшие спектакли включают в репертуар.

2009 год стал особенно звездным для театра: спектакль «Москва. Психо» Андрия Жолдака показали на фестивале «Золотая маска» в специальной программе Russian Case.

Пожар, ремонт и реставрация

В 2013 году в здании театра произошел пожар. Он начался во время спектакля в большом зале, как раз там, где был ресторан «Эрмитаж». Общая площадь пожара составила 500 квадратных метров. В огне погибли декорации и костюмы — не удалось спасти почти ничего.

Причиной пожара назвали короткое замыкание электропроводки. Правительство Москвы решило провести в здании капитальный ремонт и реставрационные работы.

Вскоре театру пришлось переехать в Дом культуры имени А.С. Серафимовича. Временно все репетиции и показы проходили там. Первый спектакль, представленный в тех стенах, — «Русское варенье» Иосифа Райхельгауза по пьесе Людмилы Улицкой. Чуть позже появилась постановка «Спасти камер-юнкера Пушкина», которая вошла в лонг-лист «Золотой маски».

Во время ремонта полностью поменяли оборудование. «Эрмитаж» превратился в зал-трансформер: с помощью новой системы поднимающихся частей сцены — плунжеров — можно регулировать высоту разных ее участков.

Сделали звукоизоляцию, позволяющую играть спектакли одновременно на всех сценах — раньше такой возможности в этом старинном особняке не было. Кроме того, увеличили количество гримерок и других необходимых помещений.

Ремонт закончился в 2019 году. Возвращение домой труппа отпраздновала, устроив веселое новоселье.

Что посмотреть

Тем, кто еще не был в «Школе современной пьесы», стоит начать знакомство с театром с иммерсивной постановки «На Трубе». Это исторический променад, во время которого артисты рассказывают о самом особняке, о знаменитых людях, которые здесь когда-то бывали, о происходивших здесь событиях. Гостей проведут по мраморным лестницам, покажут предметы, которые находятся здесь с позапрошлого века.

Визитная карточка — спектакль Иосифа Райхельгауза «Город», с которого началось сотрудничество театра с драматургом Евгением Гришковцом. Главный герой — человек, который не может разобраться в себе, в своих желаниях и целях. Во всей полноте его образ раскрывается через диалоги с отцом, женой и другом. «Город» — участник международных фестивалей. Режиссер получил за него премию Москвы. Впервые постановку показали в 2002 году, и до 2017-го она не сходила с афиш. В этом году показы возобновили.

Еще один спектакль Райхельгауза — «Спасти камер-юнкера Пушкина». В основе — одноименная повесть Михаила Хейфеца, ставшая призером международного литературного конкурса «О Петербурге в прозе и стихах». Главный герой — молодой человек Михаил Питунин, который с детства не любил стихи Пушкина. Однако он пересмотрел свое отношение, когда в его жизни появилась одна прекрасная пушкинистка. Именно этой постановкой 1 декабря открыли филиал «Школы современной пьесы» в Берлине. Начиная с сезона 2018/2019 года театр регулярно играет спектакли своего репертуара на сцене Российского дома науки и культуры в столице Германии.

«Ганди молчал по субботам» — первая премьера в историческом здании театра после ремонта. Спектакль поставил молодой режиссер Филипп Гуревич по одноименной пьесе Анастасии Букреевой. Главный герой — подросток Мот, у которого разводятся родители. Пережить распад семьи мальчику помогает мудрая бездомная по имени Лиза.

Пьеса — лауреат конкурса драматургов «Действующие лица» 2017 года. А Филипп Гуревич — лауреат программы «Класс молодой режиссуры» (2017). Учрежденный театром конкурс для молодых режиссеров ежегодно проходит при поддержке Департамента культуры Москвы.

Иосиф Райхельгауз более 30 лет преподает в ГИТИСе. В большинстве московских театров сегодня работают его выпускники разных лет.

Осенью 2018 года театр начал совместный проект с ГИТИСом под названием «Кафедра». Театр показывает на своей сцене наиболее удачные дипломные и курсовые работы студентов. Увидеть их можно в Белом зале».

Источник

О театре

Театр «Школа современной пьесы» был создан в 1989 году.

Основатель и художественный руководитель театра — народный артист России Иосиф Райхельгауз.

Репертуарная политика «Школы» абсолютно уникальна и полностью соответствует названию: здесь действительно ставят только современные пьесы, которые ранее не имели сценического воплощения.

Таким образом, «Школа современной пьесы» — театр мировых премьер.

За 32-летний период своего существования театр представил публике более 90 новых пьес.
Значительная их часть была написана драматургами специально для театра «Школа современной пьесы».

С театром сотрудничали Андрей Жолдак, Сергей Соловьев, Станислав Говорухин, Дмитрий Астрахан, Пламен Панев, Филипп Григорьян и многие другие известные и начинающие режиссеры.

Театр проводит Международный конкурс современной русскоязычной драматургии, на который ежегодно присылают пьесы авторы со всего мира. Каждый сезон пьеса, признанная лучшей, ставится на сцене «Школы» молодым режиссером, победителем конкурсной программы «Класс молодой режиссуры».

В афише театра сегодня – 22 спектакля.

Среди них – три по пьесам Евгения Гришковца. В том числе, постановки с уникальной сценографией: «Город» и «Дом», а также спектакль-импровизация «Подслушанное, подсмотренное, незаписанное»

«Спасти камер-юнкера Пушкина» – спектакль, вошедший в лонг-лист Национальной театральной премии «Золотая Маска», а также получивший премию газеты «Московский комсомолец» как лучший спектакль малой формы;

моноспектакль «Фаина.Эшелон», основанный на документальной повести Фаины Райхельгауз с Еленой Санаевой в главной роли

мелодрамы: «Лондонский треугольник» — постановка, рассказывающая о выдающихся деятелях русской культуры Герцене и Огареве, и «Дурочка и зэк» — трогательный спектакль по пьесе Владимира Лидского.

пронзительная постановка- история одного апокалипсиса в отдельно взятой семье «Ганди молчал по субботам»;

уникальный иммерсивный спектакль «На Трубе» — исторический променад с Чеховым, Толстым, Чайковским, Достоевским, Горьким и «Оливье»;

stand up-мелодрама «Непьеса на двоих» с Маратом Башаровым и Еленой Захаровой в главных ролях;

«Тот самый день» Дениса Азарова по пьесе Ярославы Пулинович с Валерией Ланской в главной роли.

В репертуаре театра много оригинальных музыкальных постановок, основанных на классических сюжетах.

Большое внимание театр уделяет детской аудитории.

Вот уже более 15 лет с аншлагом идут «Вредные советы» по знаменитой книге Григория Остера;

Изысканная сказка «Мышонок-суперсыщик»;

Осенью 2021 года 33 театральный сезон открылся премьерой спектакля «Бешеный хворост».

Источник

In Memoriam

Работал в Московском театре юного зрителя, Театре на Малой
Бронной, Московском драматическом театре им. Станиславского.

С 1991 г. – актер театра «Школа современной пьесы».

В театре «Школа современной пьесы» сыграл в спектаклях:
«По поводу обещанного масла» (композиция Г. Тулеса по песням С. Никитина, на стихи А. Милана, Ю. Мориц, Б. Заходера, В. Берестова, В. Левина, Г. Петровой, режиссер Г. Тулес)
«Ничего особенного» ( В. Ветхов, режиссер В. Шамиров)
«Миссис Лев» (С. Б. Коковкин, режиссер Б. А. Морозов)
«Событие» (В. Набоков, режиссер Ф. Роше)
«Без зеркал» (Н. Климонтович, режиссер И. Райхельгауз)
«Своими словами» (Без драматурга, автор спектакля И. Райхельгауз)
«Ниоткуда с любовью» (И. Бродский, режиссеры: М. Козаков, В. Качан)
«Антон Чехов. Чайка» (режиссер И. Райхельгауз)
«Звездная болезнь» (Труппа театра, автор спектакля И. Райхельгауз)
«Провокация» (И.Вацетис, режиссер С. Юрский)
«Медведь» (Д.Быков, режиссер И.Райхельгауз)
«Чайка. Настоящая оперетка» (В.Жук, А.Журбин, режиссер И.Райхельгауз)

Работы в кино:
«Путина», «Когда я стану великаном», «Процесс», «Неустановленное лицо», «Троцкий», «Несут меня кони…», «Сибирский спас», «Три дня в Одессе», «Бедная Настя», «А вы ему кто?», «Бессонница», «Думай как женщина», «Территория», «Маргарита Назарова» и др.

Автор книг:
«Роковая Маруся» (1999)
«Улыбайтесь, сейчас вылетит птичка» (2000)
«Юность Бабы — Яги» (2007)
«Арт-пасьянс» (2011)
«Опять ягодка» (2015)

Дискография:
«Соседи по городу» (1994), «Прогулка с другом» (1995), «Диалог-30 лет» (1995), «Оранжевый кот» (1996), «Русский платит за все!» (1998), «…по Качану» (2000), «Кавалергарды» (2000), «Бегемот и Ко» (2001), «Му-му и адвокат» (2002), «Задорнизмы и Качанушки» (2003), «Наши барды. Том 3» (2003), «У открытого окна» (2005), «Времена года» (2006), «Столик на одного», «Это было недавно…»

С 1995 г. – актриса театра «Школа современной пьесы».

В театре «Школа современной пьесы» сыграла в спектаклях:
«По поводу обещанного масла» (композиция Г. Тулеса по песням С. Никитина, на стихи А. Милана, Ю. Мориц, Б. Заходера, В. Берестова, В. Левина, Г. Петровой, режиссер Г. Тулес)
«…С приветом, дон Кихот!» (по М. Сервантесу и Л. Минкусу, режиссер И. Райхельгауз)
«Любовь Карловны» (О. Мухина, режиссер И. Райхельгауз)
«Антон Чехов. Чайка» (режиссер И.Райхельгауз)
«Борис Акунин. Чайка» (режиссер И.Райхельгауз)
«А чой-то ты во фраке?» (С.Никитин, Д. Сухарев, автор спектакля И.Райхельгауз)
«Город» (Е.Гришковец, режиссер И.Райхельгауз)
«Событие» (В. Набоков, режиссер Ф. Роше)
«Вредные советы» (Г.Остер, режиссер А.Андреев)
«Чайка. Настоящая оперетка» (В.Жук, А.Журбин, режиссер И.Райхельгауз)
«Па-де-де» (Т. Москвина, режиссер С. Говорухин)
«Бабий дом» (А.Демахин, режиссеры: В.Караваев, Ф.Лось)
«Своими словами» (Без драматурга, автор спектакля И. Райхельгауз)
«Русское варенье» (Л.Улицкая, режиссер И.Райхельгауз)
«Пришел мужчина к женщине. Новая версия» (С.Злотников, режиссер И.Райхельгауз)
«Дом» (Е.Гришковец, А.Матисон, режиссер И.Райхельгауз)
«Звездная болезнь» (Труппа театра, автор спектакля И.Райхельгауз)
«Медведь» (Д.Быков, режиссер И.Райхельгауз)
«Ночь с незнакомцем» (Н.Савицкая, режиссер П.Панев)
«Подслушанное, подсмотренное, незаписанное» (Е.Гришковец, И.Райхельгауз, автор спектакля И.Райхельгауз)
«Вальс одиноких» (С.Злотников, режиссер С.Злотников)
«УИК ЭНД» (Е.Гришковец, А.Матисон, режиссер И.Райхельгауз)
«Монологи городов» (коллективная поэма)
«Пока наливается пиво» (Е.Гришковец, режиссер и сценограф И.Райхельгауз)
«Шинель/Пальто» (Н.Гоголь, В.Жук, М.Дунаевский, режиссер И.Райхельгауз)

Работы в кино: «Изысканный жест», «Сказка», «Любовные авантюры», «Театральный блюз», «Возвращение Мухтара», «Нежное чудовище», «Холостяки», «Аэропорт», «Артистка», «Все будет хорошо, моя прелесть…», «Громовы. Дом надежды» и др.

Рассказывает художественный руководитель театра «Школа современной пьесы» Иосиф Райхельгауз:
«Анжелика обладала замечательным, редчайшим для артиста качеством: она не подчиняла свою жизнь театру. Она никогда не гналась за ролью, она просто приходила в театр, делала свою работу и делала её хорошо…
Ещё одна грань таланта Анжелики, оставшаяся нераскрытой, — это преподавание. Она успела провести со студентами моего курса лишь одну сессию, — но за эту сессию студенты её очень полюбили».

Звания и награды:
2004 – Заслуженная артистка РФ

После окончания Школы-студии МХАТ Дурова пригласил в свою труппу директор Центрального детского театра Константин Ясонович Шах-Азизов. Актёр согласился и в сентябре пришёл на первый в своей жизни сбор труппы, где встретился с Анатолием Эфросом, с которым не расставался почти 30 лет, переходя за ним из театра в театр. В Центральном детском театре они проработали около 10 лет. Потом – 4 года в театре имени Ленинского Комсомола: с 1963 по 1967. Когда Эфрос был отстранён от руководства «Ленкомом» и переведён в качестве очередного режиссёра в Театр на Малой Бронной, Дуров вновь ушёл вместе с ним. Этому театру актёр оставался верен до последнего дня. После окончания Высших режиссёрских курсов при ГИТИСе в 1978 году Дуров успешно сочетал актёрскую работу с режиссёрской. В 2003-2006 годах, в нелёгкий для театра период, он принял ответственный пост главного режиссёра.

В кино Лев Дуров начал сниматься в 1954 году и сыграл за свою жизнь более 160 ролей, много работал на телевидении. Широкую известность и народную любовь принесли такие картины, как «Високосный год» (1961), «Иду искать» (1966), «Бумбараш» (1971), «17 мгновений весны» (1973), «Ксения, любимая жена Фёдора» (1974) «34-й скорый» (1982), «Успех» (1984) и многие другие

В 1991 году Льву Константиновичу Дурову было присвоено звание «Народный артист СССР». Владимир Качан, друг и партнёр Льва Дурова на сцене театра «Школа современной пьесы», говорил, что «география его звания формально сузилась до размеров России, а фактически расширилась. Потому что он по-прежнему народный артист и Белоруссии, и Украины, и Казахстана, и Прибалтики, и Израиля, и США, и всех других стран, где любят и помнят артиста Дурова, драматического клоуна, хулигана, анекдотчика, своего в доску мужика для всех слоев населения, а потому — абсолютно народного артиста»

В 1996 году Л. К. Дуров как художественный руководитель выпустил курс студентов в Школе-студии МХАТ.

Жизненным девизом Льва Константиновича Дурова можно считать фразу, которой он закончил одно из интервью 2007 года: «Ведь только через труд человек реализует талант, данный ему Богом!»

Свободное время предпочитал посвящать дому, семье. Слушал музыку П. И. Чайковского. Любимый писатель – Ф. М. Достоевский. Самая любимая и трудная, по словам самого артиста, роль на сцене тоже связана с этим именем: штабс-капитан Снегирёв в постановке А. В. Эфроса «Брат Алёша» (по роману «Братья Карамазовы»). Среди актеров Лев Дуров особенно выделял Иннокентия Смоктуновского.

Несмотря на колоссальную загруженность на сцене и в кино Лев Константинович Дуров успел написать три книги: в 1999 году вышла его книга «Грешные записки». В 2008 году — ещё две: «Байки из Закулисья» и «Байки на бис».

До последних дней Лев Дуров параллельно с работой в Театре на Малой Бронной участвовал в спектаклях «Школы современной пьесы».

Он играл Сорина в «Чайке» Чехова и Бориса Акунина, Льва Толстого в спектакле «Миссис Лев» Сергея Коковкина, Санчо Пансо в спектакле «С приветом, Дон Кихот» и Бегуна во «Все будет хорошо, как вы хотели…». Он был главным рассказчиком на Вечерах театральной байки и участником всех клубных встреч «Школы современной пьесы». Вспоминая пройденный Львом Дуровым путь, Иосиф Райхельгауз писал: «В студенческие годы самым великим режиссёром для нас был Анатолий Васильевич Эфрос. И самый его парадоксальный, невероятный, фантастический артист – Лев Дуров. Была бесспорная эфросовская героиня Ольга Яковлева, были замечательные артисты Волков, Сейфуллин, Грачёв, и всё равно Дуров – первый.

Мы, конечно же, сбегали с лекций, чтобы подсмотреть, как Эфрос репетирует, а вечером прорывались на Малую Бронную, на балкон. Я помню “Женитьбу”, “Отелло”, “Брата Алёшу”, “Ромео и Джульетту”, и Дуров везде был грандиозен. Он оставался неразгаданным, казалось невозможным постичь, как он это делает. Дуровский психологизм был абсолютно мотивированным – понятно было, что с ним это происходит здесь и сейчас. Он заряжался настолько, насколько его заряжали партнёры, и выдавал столько, сколько этого требовала ситуация. И в то же время он артист необъяснимой, нелогичной формы. Неясно было, как в “Дон Жуане” он взбегает на стену. Он вдруг оказывался на стене и, удерживая гимнастический “угол”, произносил монолог. И какой монолог! Я задыхался от нахлынувших эмоций, причём они волной шли со сцены и поднимались изнутри одновременно. Это был такой объём, такая сочетаемость несочетаемого…

Эфрос во время репетиций любил давать пробовать роль разным артистам, и Дуров часто пробовал чужие роли. Он пробовал именно режиссёрский ход. “Разбор” – понятие, которое в театральную практику ввёл Эфрос, — Дуров умел реализовывать, как никто другой.

Дуров обладает удивительным качеством, которое для меня в театре не менее важно, чем профессиональные качества артиста, — это умение быть в компании. Чтобы в море образовался подводный мир, нужен камень, глыба скала, вокруг которого всё кристаллизуется. Тогда возникает ландшафт, климат, уникальная флора… Дуров – один из тех, кто этот климат в театре создаёт и удерживает. Он заряжает воздух, которым мы дышим. Он умеет слушать, умеет шутить по поводу себя и своих товарищей. Он может прийти на спектакль или на сбор труппы, на обед, на репетицию, и всегда создаёт поле, провоцирующее на талантливые, положительные проявления. Это очень важно. Важен его человеческий характер и его собственные представления о том, как должно быть в доме – спокойно, весело, легко, светло, любимо… (Из книги И. Л. Райхельгауза «Не верю»)

Энергия и находчивость Льва Константиновича, в буквальном смысле, вошли в историю нашего театра. Благодаря этим качествам артиста родилась байка о том…

Ирина Алфёрова, которая привыкла приветствовать Владимира Качана репликой «Здравствуйте, Борис Алексеевич», увидела на сцене сразу двух Тригориных и растерялась. Вместо реплики «Здравствуйте, Борис Алексеевич», обращённой к Стеклову, действующему Тригорину, она кинулась к Качану, но вовремя спохватилась и сказала:

А Лев Константинович, похоже, не успел перестроиться, и из его старика Сорина, который всё время жалуется на плохое здоровье и сидит в инвалидном кресле, «выпирал» активный, моложавый доктор Дорн. Дуров размахивал руками, всё время передвигался по сцене и говорил громко и уверенно.

В начале второго акта, где персонажи ведут оживлённый диалог, а чеховский Сорин по сюжету дремлет в кресле и даже похрапывает, есть реплика Аркадиной: «Петруша! Ты спишь?» Лев Константинович по привычке много передвигался, что-то напевал себе под нос и к моменту произнесения этих слов оказался далеко от своей инвалидной коляски, в противоположном углу сцены. Алфёрова-Аркадина уже собиралась сказать текст, но обнаружила, что Сорин не то что не спит, а его вообще нет на месте. Повисла неловкая пауза. Артисты начали делать Дурову знаки и посылать красноречивые взгляды… Лев Константинович почуял неладное… и через мгновение одним прыжком перелетел через сцену, захрапел ещё в воздухе и плюхнулся в кресло!

— Петруша, ты спишь? – с облегчением спросила Ирина Николаевна Аркадина.
— Нисколько, — с редкой убедительностью произнёс чеховскую реплику только что приземлившийся Дуров. (Из книги И. Л. Райхельгауза «Мы попали в запендю»

Звания и награды:
1991 — Народный артист СССР
1996 – избран действительным членом Российской академии естественных наук, а также награждён Орденом Дружбы (РФ)
2000 – стал двукратным лауреатом Международного Московского кинофестиваля за участие в фильме «Луной был полон сад»
— лауреат премии «Пегас» за участие в фильме «Не послать ли нам гонца?»
2006 – лауреат премии «Хрустальная Турандот» в номинации «За честь и достоинство»
Дважды награждён орденом «За заслуги перед Отечеством»: 2002 г. – IV степени, 2011 г. – III степени

В 1952 году Михаил поступил в Школу-студию МХАТ, на курс П. В. Массальского. Уже на последнем курсе – в 1956 году – Козаков успешно дебютировал в фильме Михаила Ромма «Убийство на улице Данте», сыграв роль Шарля Тибо.

Окончив с отличием Школу-студию МХАТ, Козаков начал работать в Театре имени Маяковского. Художественный руководитель театра Николай Охлопков почти сразу ввёл молодого актёра на роль Гамлета в своей постановке.

В 1959 году Козаков перешёл в «Современник». Здесь актёр проработал 11 лет, сыграв за это время несколько ролей в спектаклях Олега Ефремова – Марка во второй редакции «Вечно живых» (1960), Камергера в «Голом короле» Е. Шварца (1960) и главного героя в «Сирано де Бержераке» Э. Ростана. Ещё одной большой актёрской работой на сцене «Современника» стал образ Адуева-старшего в спектакле Галины Волчек по «Обыкновенной истории» Гончарова.

В 1971-1972 годах Козаков работал во МХАТе, где играл в спектаклях Ефремова «Валентин и Валентина» по пьесе Михаила Рощина и «Обратный отсчёт» по пьесе Александра Гельмана.

С 1973 года начинается новый этап творческого пути – Козаков переходит в Театр на Малой Бронной, где создаёт ряд образов классического репертуара в спектаклях Эфроса: главного героя в «Дон Жуане» Мольера (1973), Кочкарёва в «Женитьбе», Ракитина в «Месяце в деревне» (1977). Также Козаков сыграл Автора в постановке пьесы В. Балясного «Дорога» по мотивам «Мёртвых душ» и писем Гоголя (1979).

В 1974 году Козаков впервые проявил режиссёрскую сторону таланта — одновременно в театре и кино: поставил «Покровские ворота» Леонида Зорина в Театре на Малой Бронной и снял телевизионный спектакль по пьесе О. Голдсмита «Ночь ошибок». В 1978 году была окончена многолетняя работа над фильмом «Безымянная звезда». Также Козаков снял картины «Покровские ворота» (1982) «Если верить Лопотухину» (1983) «Визит дамы» (1989) «Тень, или Может быть, всё обойдётся» (1991) и др.

Почти все фильмы Козакова тесно связаны с театром, сценарии к ним написаны на основе пьес советских и зарубежных авторов. Последняя режиссёрская работа Михаила Михайловича для телевидения – 6-серийный фильм «Очарование зла» (2006).

В 1991 году Михаил Козаков переехал в Израиль, где четыре года работал в Тель-Авивском камерном театре, играя на иврите. Наиболее интересные работы на этой сцене – Тригорин в «Чайке» и Ричард в «Любовнике» Г. Пинтера. Спустя некоторое время после переезда актёр организовал «Русскую антрепризу Михаила Козакова». В первые годы существования эта труппа сыграла спектакли «Возможная встреча» по пьесе Пауля Барда и «Чествование» по пьесе Бернарда Слэйда.

В 1995 году Козаков вернулся в Москву. Продолжая возглавлять «Русскую антрепризу», он успевал не только ставить новые спектакли и организовывать гастроли для своей труппы – в том числе и в Израиле – но и сыграть две шекспировские роли на сцене Театра имени Моссовета – Шейлока в спектакле Андрея Житинкина (1999) и Лира в спектакле Павла Хомского (2003).

В 1996 году была издана «Актёрская книга» — книга воспоминаний Михаила Козакова.

Ещё одной стороной творческой жизни актёра было чтение стихов. Первая пластинка – стихи Тютчева в исполнении Михаила Козакова и Беллы Ахмадуллиной – выпущена ещё в 1974 году, но наиболее плодотворным в этом отношении стало пятилетие с 2004 по 2009 годы. В это время появляется «Любовь моя, Одесса» — музыкально-поэтическая композиция по стихам Пушкина, Бродского, Мандельштама и текстам Бабеля (2004), «Мой Бродский. Избранное» (2006), «Леопольд Эпштейн. Стихи» (2009).

В 2007 году Михаил Козаков – совместно с Владимиром Качаном – поставил и сыграл на сцене «Школы современной пьесы» спектакль-композицию по стихам и дневникам Иосифа Бродского «Ниоткуда с любовью»

Звания и награды:
1967 – Лауреат Государственной премии СССР (за роль Адуева-старшего в спектакле «Обыкновенная история», театр «Современник»)
1980 – Народный артист РСФСР
1983 –Лауреат Государственной премии РСФСР имени братьев Васильевых (за роль Ф. Э. Дзержинского в фильме «20-е декабря»)
1997 – Лауреат Царскосельской художественной премии
Двухкратный лауреат премии «ТЭФИ»: 2000 – за лучший художественный игровой фильм «Ужин в четыре руки»; 2005 – за фильм «Играем Шекспира»
2010 – Награждён Орденом Почёта («за заслуги в развитии отечественной культуры и искусства, многолетнюю плодотворную деятельность»)

Рассказывает художественный руководитель театра «Школа современной пьесы» Иосиф Райхельгауз:

«Это был очень разносторонне одарённый человек, очень нереализованный, ему постоянно хотелось большего… Когда Пламену было уже хорошо за сорок, он подал заявку на участие в «Классе молодой режиссуры», и я был убеждён, что это какой-то молодой человек. Он приехал, принимал участие в творческой лаборатории наравне с остальными и показал очень достойный этюд, поэтому я пригласил его ставить спектакль у нас в театре. Пламен очень хотел творчески раскрыться, очень хотел работать в России и любил русскую культуру».

Рассказывает актёр театра «Школа современной пьесы» Владимир Шульга:

“Однажды Пламен сразу после репетиции пошёл в магазин, купить себе что-нибудь на ужин. Режиссёрский экземпляр пьесы он положил в тележку, набрал продуктов, расплатился, забрал покупки и ушёл. А пьеса осталась в супермаркете. Обнаружив через какое-то время пропажу, Пламен вернулся в магазин и объяснил, что оставил важный документ. Ему сказали, что пьесу нашли и её можно забрать в подсобном помещении. Придя туда, Пламен выяснил, что сотрудницы магазина заинтересовались пьесой, успели прочесть её вслух и устроить дебаты по поводу сюжета.Пламен начал задавать наводящие вопросы, возникло горячее обсуждение, и режиссёр позже говорил, что эта «потеря» пьесы оказалась очень полезной: простые женщины многое ему подсказали. Вот так ещё не поставленный спектакль «ушёл в народ»”.

Театральные работы
В «Школе современной пьесы»:
2011 — «Ночь с незнакомцем»
2014 — эпизод театрального квеста «Дилогия. История театра. Эпизод второй» («Свадьба непохожих», автор текста Ксения Драгунская)
В Тюменском драматическом театре:
«Районная больница» (по пьесе болгарского драматурга Христо Бойчева, 2010)

В Театрально-музыкальном центре (Разград, Болгария):
«Албена» (по пьесе болгарского драматурга Йордана Йовкова, 2015)
«Бабники (Свалячи)» (по пьесе болгарского драматурга Елина Рахнева, 2015)
«Все мои заблуждения (Всичките мои лъжи)» (по одноимённому роману, 2015)
«Рукодельницы (Везбарки)» (идея и сценарий – Пламен Панев, постановка – Татяна Соколова, 2015)

В других театрах Болгарии:
«Идиот» (Драматический театр, г. Пловдив, 2000)
«Москва-Петушки» («Театр 199», г. София, 1998)
«Двенадцать стульев» (Драматический театр им. Константина Величкова, г. Пазарджик, 1997)
«Вишнёвый сад» (Драматический театр г. Ловеч, 1994)

Фильмография:
«Болгария – маленькая большая страна» (1995)
«Суфле д’аморе» (2006)

Окончил режиссерское отделение факультета драматического искусства ЛГИТМиКа (мастерская А. А. Музиля, 1979)
С 1981 по 1986 год – главный режиссер Свердловского ТЮЗа
С 1986 по 2000 год – главный режиссер Омского театра для детей и молодежи
С 2004 по 2009 год – главный режиссер Екатеринбургского академического театра драмы

Театральные работы
В «Школе современной пьесы»:
«Лондонский треугольник» (совместно с Дм. Астраханом, 2013)
В Омском театре для детей и молодежи:
«Укрощение строптивой» (1986)
«Вишневый сад» (1991)
«Бременские музыканты» (1993)
«Горящий светильник» (по рассказам О. Генри, 1995)
«Утиная охота» (1997)
«Сказка о царе Салтане» (1999)

Фильмография
«Дело было в Гавриловке», «Ты у меня одна» (редактор), «Читая О. Генри»

Когда родителей забрали, остался с бабушкой в Москве. Но в 16 лет переехал к родственникам в Тбилиси. В 1942 году добровольцем прямо из девятого класса ушёл на фронт. Сначала был миномётчиком. Воевал под Моздоком. В декабре 1942 года был ранен. Уже в 1986 году Окуджава вспоминал, как это произошло: «Над нашими позициями появился немецкий корректировщик. Летел он высоко. На его ленивые выстрелы из пулемёта никто не обращал внимания. Только что закончился бой. Все расслабились. И надо же было: одна из шальных пуль попала в меня. Можно представить мою обиду: сколько до этого было тяжёлых боёв, где меня щадило! А тут в совершенно спокойной обстановке — и такое нелепое ранение» Потом служил радистом в тяжёлой артиллерии. Будучи полковым запевалой, в 1943 году на фронте сочинил первую песню «Нам в холодных теплушках не спалось». После демобилизации экстерном сдал экзамены за среднюю школу. Окончил в 1950 году филфак Тбилисского университета. Студентом познакомился с Александром Цыбулевским, который во многом открыл Окуджаве мир русской поэзии. Получив диплом, устроился школьным учителем в калужском селе Шамордино. Первую книгу «Лирика» выпустил в Калуге в 1956 году.

После ХХ съезда мать писателя реабилитировали и им вдвоём вновь разрешили поселиться в Москве. В начале 1957 года исполнял обязанности заместителя редактора по отделу литературы в газете «Комсомольская правда». Какое-то время работал редактором издательства «Молодая гвардия». Оттуда ушёл в «Литгазету». В 1961 году К.Паустовский повесть писателя «Будь здоров, школяр» включил в альманах «Тарусские страницы». Но официальная критика эту повесть за пацифистские мотивы в оценке переживаний молодого человека на войне не приняла, правда, в 1965 году В.Мотылю удалось эту повесть экранизировать, дав фильму другое название — «Женя, Женечка и Катюша». Тогда же, в 1961 — 1962 годах, официальная критика осудила и многие песни Окуджавы. По мнению руководства Союза писателей России, «большинство этих песен не выражали настроений, дум, чаяний нашей героической молодёжи». В середине и конце 1960-х годов писатель не раз бравировал своей независимостью, подписывал письма в защиту Ю.Даниэля и А.Синявского, печатался за границей. Однако все эти поступки, как правило, сходили ему с рук. Может, потому, что, когда надо, он умел каяться, в частности, в ноябре 1972 года напечатав покаянное заявление в «Литгазете». Правда, сам Окуджава уже в 1998 году эту историю интерпретировал по-другому. По его версии, в 1971 году партком Московской писательской организации исключил Окуджаву из партии по требованию одного из секретарей горкома КПСС за частые публикации на Западе и за предисловие какого-то эмигранта, обругавшего нашу партию. Целый год Окуджаву никто не издавал, а поскольку кормить семью надо было, он по совету В.Максимова принёс в «Литгазету» к А.Чаковскому письмо общего характера. После чего Окуджаву тут же восстановили в партии и вновь стали повсюду публиковать. В конце 1960-х годов обратился к истории. Сначала Окуджава сочинил пьесу «Глоток свободы» о Михаиле Бестужеве. Потом появился роман «Бедный Авросимов» о Павле Пестеле. Декабристы привели Окуджаву к Льву Толстому, который в своё время намеревался создать о декабристах роман. Собирая о Толстом материалы, Окуджава заинтересовался, почему жандармы постоянно преследовали писателя. В результате родилась книга «Мерси, или Похождения Шипова», названная автором авантюристическим романом с подлинными фактами. И уже затем появились романы «Путешествие дилетантов» и «Свидание с Бонапартом». Но все эти сочинения вызвали у критиков неоднозначные оценки. Сергей Плеханов, к примеру, считал, что Окуджава занялся XIX веком лишь потому, что тривиальность и литературщину легче скрыть за мишурным блеском исторической экзотики. Самого Окуджаву буквально взбесила статья В.Бунина в 1979 году в журнале «Москва», не оставившая камня на камне от романа «Путешествия дилетантов». Окуджава в публичных выступлениях утверждал, будто статью «писал не Бунин, а целая бригада. Он только дал своё имя. Это не литературно-критическая статья, а политический донос, написанный по заданию редакции «Москвы». Позже Окуджава добавил, что бунинская статья — «это не критика, а политический бандитизм», цель которого — якобы перевести гнев высокого начальства с романа Пикуля «У последней черты» на Окуджаву.

Всенародную славу Окуджаве принёс фильм Андрея Смирнова «Белорусский вокзал», в котором прозвучала лучшая песня поэта. Как признавался уже в 1986 году Окуджава, сначала он не принял предложение режиссёра написать для этого фильма песню. «Дело в том, что фильм требовал стилизации текста под стихи военного времени. По мысли режиссёра, стихи должны исходить не от профессионала, а от человека, сидящего в окопе и пишущего для однополчан о своих друзьях. Мне казалось, что у меня стилизации не получится, поскольку я всегда стремился писать о войне глазами человека мирного времени. А тут надо было сочинять словно «оттуда», из войны. Но тогда, на фронте, мы совсем по-другому думали, по-другому говорили и по-своему пели. Отыщу ли я слова тех лет? И вдруг «сработала» память. Неожиданно вспомнился фронт. Я как бы воочию увидел этого самодеятельного фронтового поэта, думающего в окопе об однополчанах. И тут же сами собой возникли слова будущей песни «Мы за ценой не постоим…»

К сожалению, в последние годы жизни писатель занял крайне ультрарадикальные позиции по отношению и к истории своей страны, и к драматическим событиям постперестроечного периода. Так, он был одним из немногих литераторов, кто подписал «расстрельное» письмо, призывая власть в октябре 1993 года подавить оппозицию в крови. В интервью газете «Подмосковье» писатель признался: «Я смотрел расстрел Белого дома как финал увлекательного детектива — с наслаждением». После этого заявления, естественно, от Окуджавы тут же отшатнулось значительное количество поклонников его ранних песен. В последнее время стали часто появляться публикации о любимых женщинах писателя. В первом браке женой Окуджавы была Галина. Возможно, своё сильное влияние на их отношения оказала утрата первой дочери. Если верить «Комсомольской правде» (2 сентября 2004 года), на рубеже 1970 — 1980 годов музой Окуджавы была сотрудница Института советского законодательства, позже ставшая актрисой, Наталья Горленко. Но умер он в Париже на руках своей второй официальной жены Ольги.

Звания и награды:

Похоронен в Москве на Ваганьковском кладбище.

С 2003 года театр посвящает ему ежегодный фестиваль «И друзей созову…»

В 1925 году, окончив семь классов, Мария Миронова поступила в Театральный техникум имени Луначарского, а год спустя, вместе с другими студентами, дебютировала на сцене Театра современной миниатюры. Работу Мироновой – роль Маньки в комедии Василия Шкваркина «Вредный элемент» — культкомиссия отметила особо. Актёр Московского художественного театра 2-го Владимир Попов рекомендовал Марии после завершения обучения прийти в их театр.

Когда Мария Миронова окончила техникум, ей было 16 лет. Для поступления в труппу МХТ 2-го необходимо было стать членом профсоюза, но девушку без опыта работы туда не принимали. Тогда она устроилась во вспомогательный состав Московского театра оперетты, где танцевала в кордебалете. Сразу после вступления в профсоюз, Миронова перешла в МХТ 2-й

В этом театре она сыграла Фани в «Хижине дяди Тома» и Марусю в спектакле «Дело чести» по пьесе И. Микитенко

Некоторое время спустя Марию Миронову пригласил в свою труппу художественный руководитель Московского государственного мюзик-холла Николай Волконский. Там актриса тоже проработала недолго. Следующим этапом её сценического пути стал Центральный театр транспорта, позже переименованный в театр имени Гоголя.

Но по-настоящему талант Мироновой раскрылся на эстраде. Во время первого эстрадного выступления она прочла рассказ Чехова «Случай с классиком». Продолжая работу на драматической сцене, Мария Владимировна вскоре стала автором и режиссёром собственных эстрадных выступлений. Так родился образ «некой Капы» — простушки, обожающей телефонные разговоры. Миронова сочиняла миниатюры и с другими героинями – Дусей, Клавой, Марочкой, — высмеивая беспардонность, невежество и страсть к сплетням.

В конце 1938 года Мария Владимировна Миронова пришла в только что созданный Государственный театр эстрады и миниатюр и познакомилась с Александром Семёновичем Менакером. Их творческий дуэт просуществовал более 30 лет.

Впервые они вместе вышли на сцену с сатирическими диалогами осенью 1939 года. Как правило, Менакер появлялся в образе слабохарактерного мужа, а Миронова играла деспотичную и невежественную жену. Сценки были короткими, длились не более 5 минут, но актёры ярко раскрывали свои образы

Миронова работала в Театре миниатюр вплоть до его закрытия в 1947 году. При этом она и Александр Семёнович много выступали в сборных концертах на эстраде и гастролировали по стране. Менакер вынашивал идею создания собственного театра.

В 1952 году возник «Театр двух актёров». За тридцать лет его существования было сыграно 9 премьер. Миронова и Менакер гастролировали со спектаклями по всему СССР. Наиболее известными постановками Театра двух актёров были «Дела семейные», «Кляксы», «Волки в городе», «Семь жён Синей Бороды», «Мужчина и женщины» и «Номер в отеле» Специально для театра писали Григорий Горин, Михаил Зощенко, Леонид Зорин и многие другие.

Несмотря на успешную театральную карьеру, в кино Мироновой предлагали только роли второго плана, либо эпизоды. Наиболее известные работы – роль секретарши Бывалова в картине «Волга-Волга» (1938) и сплетницы Вероники Петровны в «Мы с Вами где-то встречались» (1954) Всего на счету актрисы два десятка фильмов, но Мария Владимировна не воспринимала эту сторону творческой жизни всерьёз, иронически замечала: «У меня с кино роман короткий…»

После смерти Менакера в 1982 году она долгое время не играла в театре и на эстраде. Но в 1990 году Марию Владимировну пригласил в свой театр Олег Табаков. Миронова сыграла ведущие роли в спектаклях «Учитель русского» и «Норд-ост». Для героини в «Норд-Осте» актриса сама написала монолог «Разговор с Богом».

Когда спектакли вышли из репертуара, Миронову пригласил в «Современник» Иосиф Райхельгауз на роль в спектакле по пьесе Михаила Рощина «Эшелон». А их следующая творческая встреча произошла уже в стенах «Школы современной пьесы».

Невозможно представить спектакль по пьесе Семёна Злотникова «Уходил старик от старухи» без актёрской индивидуальности Марии Владимировны, где она играла в паре с Михаилом Андреевичем Глузским. В этой роли актриса встретила свой 85-летний юбилей.

Играя в драматическом театре, Мария Владимировна сохранила способность к мгновенной и яркой импровизации, отточенную за многие годы эстрадного творчества. Легко ориентируясь в предлагаемых обстоятельствах не только на сцене, но и в жизни, Мария Владимировна могла надолго озадачить любого неподготовленного зрителя, — например, молодую эстонскую журналистку:

Интервью

Спектакль «Уходил старик от старухи» показывали на гастролях в Таллине. На сцене всего два актёра – Мария Владимировна Миронова и Михаил Андреевич Глузский. Их узнавали и любили всюду – успех был обеспечен в любом городе, будь то Харьков, Алма-Ата или Тель-Авив. Шла репетиция, когда в зал вошла юная девушка и с сильным акцентом, означавшим, что в школе она ещё учила русский, но гражданство у неё независимой Эстонской республики, спросила:
— Кто здесь госпожа… Рай-хель-гауз? — фамилию девушка прочла по бумажке.
Я несколько растерялся. Зато не растерялась Мария Владимировна:
— Это я.
— Очень приятно. А я – корреспондент газеты «Вечерний Таллин», — представилась девушка. – Меня попросили взять у вас интервью.
— Я вся внимание, — вошла в роль Мария Владимировна.
Корреспондентка приосанилась и включила диктофон.
— Вы – художественный руководитель этого театра. Каковы ваши творческие планы?
Я с трудом сдерживал смех. А Мария Владимировна смело продолжала:
— Мы серьёзный театр. А как вы знаете, всякий серьёзный театр должен хоть раз за свою историю поставить «Гамлета». В ближайшее время мы как раз будем заняты этой пьесой.
— Очень хорошо. А кто будет ставить? Вы?
— Конечно. Я всегда мечтала поставить «Гамлета», — тут Мария Владимировна сделала паузу. – И сыграть.
Девушка нисколько не удивилась и невозмутимо, как будто в «Гамлете» на выбор для восьмидесятипятилетней Марии Мироновой было на выбор с десяток подходящих ролей, спросила:
— Кого вы будете играть?
— Милочка, как вы думаете, кого я могу играть? – «рассердилась» Мария Владимировна. – Не Офелию же! Конечно, Полония!
Тут корреспондентка призадумалась. Кажется, сообразила, что Полоний – мужчина, и поспешила уточнить:
— А что Вас так привлекает в образе Полония?
— В образе меня мало что привлекает. Зато очень привлекает звук падающего на сцене тела. Помните, как Гамлет шпагой пронзил Полония, который прятался за ковром? Это одна из ключевых сцен… И я клянусь, что буду репетировать до тех пор, пока у меня это не получится жизненно и правдоподобно…
Корреспондентка, наверное, торопилась на следующее интервью, потому что быстро выключила запись и стала прощаться:
— Спасибо большое, дорогая госпожа Райхельгауз! Я желаю вам больших успехов, и особенно в «Гамлете».
И ушла.
Мария Владимировна и Михаил Андреевич продолжили репетировать свои роли. А я так и не знаю, вышел ли в «Вечернем Таллине» анонс нового спектакля «Школы современной пьесы», или нет. (Из книги И. Л. Райхельгауза «Мы попали в запендю»).

Звания и награды:

В 1967 году, окончив обучение, Полищук вернулась в Омск и начала работать в местной филармонии. Через некоторое время руководитель Омской филармонии Юрий Юровский был переведён на должность генерального директора столичного «Росконцерта» и предложил нескольким артистам переехать в Москву. В их числе была и Любовь Полищук.

В 1976 году актрису пригласили в труппу Московского мюзик-холла на главную роль в спектакле Павла Хомского «Красная стрела прибывает в Москву». Монолог для её героини написал Михаил Жванецкий.

С 1979 по 1988 годы Любовь Григорьевна работала в Московском театре миниатюр (теперь – театр «Эрмитаж»). За девять лет она сыграла в спектаклях Михаила Левитина «Чехонте в “Эрмитаже”», «Хроника широко объявленной смерти», «Здравствуйте, господин де Мопассан», «Соломенная шляпка», «Хармс! Чармс! Шардам!» и других.

В кино актриса начала снималась с 1974 года. Дебют – эпизодическая роль в фильме Григория Александрова «Скворец и лира». Но эта картина не вышла на широкий экран. Первая известность пришла к Полищук через два года — после эпизода в «12 стульях» Марка Захарова: «танго страсти» с Андреем Мироновым запомнили не только зрители, но и режиссёры – и актрису стали приглашать на съёмки. В числе самых ярких её работ – роли в фильмах «Только в мюзик-холле» (1980), «Эзоп» (1981), «Змеелов» (1985), «Интердевочка» и «Городские подробности» (оба – 1989), «Тихие омуты» (2000).

В 1985 году Любовь Григорьевна Полищук окончила актёрский факультет ГИТИСа (курс О. П. Табакова, заочно).

В 1989 году Любовь Полищук сыграла в первом спектакле театра «Школа современной пьесы – «Пришёл мужчина к женщине» по пьесе Семёна Злотникова. Также она играла Невесту в «А чой-то ты во фраке?» по «Предложению Чехова и Аниту в спектакле «Антигона в Нью-Йорке» по пьесе Я. Гловацкого.

После ухода из «Школы современной пьесы» в 1997 году Любовь Полищук вновь появилась на сцене театра «Эрмитаж», сыграв главную роль в «Зойкиной квартире» М. Булгакова и танцовщицу в «Безразмерном Ким-танго».

Но работать в репертуарном театре на постоянной основе актриса больше не хотела и полностью перешла на работу по договорам: играла в спектаклях, «Независимой антрепризы», «Открытого театра Юлия Малакянца» и театрального агентства «Арт-партнёр XXI», снималась в кино. Последняя работа Полищук – роль мамы главной героини в телесериале «Моя прекрасная няня»

Звания и награды:

С 1964 года – актёр Ленинградского театра имени Ленсовета (по приглашению художественного руководителя Игоря Владимирова)

С 1977 – актёр Московского драматического театра на Малой Бронной. Анатолия Эфрос пригласил Петренко на роль Большинцова в «Месяце в деревне». В другом спектакле Эфроса – «Женитьба» — Алексей Васильевич сыграл Подколёсина.

С 1982 – актёр МХАТ. Первая роль – Официант в спектакле Олега Ефремова «Утиная охота» (по пьесе А. Вампилова)

В 1985 году выходил на Малую сцену Театра на Таганке в спектакле Анатолия Васильева «Серсо» (по пьесе В. Славкина) в роли Николая Крёкшина

А в «Школу современной пьесы» Алексей Васильевич впервые пришёл в 1992 году – на роль Степана Степановича Чубукова в спектакле «А чой-то ты во фраке?» (по «Предложению» Чехова). Три ярких комедийных образа, которые создали Петренко, Филозов и Полищук быстро сделали водевиль одной из визитных карточек театра.

Заслуженный успех на сцене «Школы современной пьесы» и в других театрах способствовал тому, что Алексей Васильевич всегда был твёрдо уверен в своих творческих способностях. Это можно видеть из активной переписки артиста с художественным руководителем театра:

От первого артиста России

В 1992 году вышел спектакль «А чой-то ты во фраке», в котором роль Чубукова играл выдающийся артист Алексей Васильевич Петренко. Как многие выдающиеся артисты, человек он немножко неадекватный и странноватый. Выражалось это следующим образом. После каждого сыгранного спектакля Алексей Васильевич писал мне письмо. Все они начинались одинаково:

«Режиссёру Рийхингаузу
(или Ренхальгаузу – в каждом письме он ухитрялся делать новую ошибку в моей фамилии) от первого артиста России А. В. Петренко».

Обычно в этих письмах содержалась какая-нибудь просьба или претензия, которая всегда заканчивалась определённым экономическим требованием. Например, таким:

Сегодня я играл в Вашем спектакле «А чой-то ты во фраке?». Температура воздуха на сцене и в зрительном зале составляла 26 градусов по Цельсию, что в переводе с международной шкалы по Фаренгейту на 4 градуса превышает норму, установленную Международной Организацией при ООН. Во время спектакля в моём теле происходило обильное потоотделение, в связи с чем требую возместить моральный ущерб и выплатить сумму ….. рублей. Прошу не оставлять моё письмо без ответа. Рассчитываю получить ответ не позднее чем через два дня. В противном случае не гарантирую участие артиста Петренко в следующем спектакле.

Первый артист России

Алексей Васильевич Петренко».

Последний абзац повторялся во всех письмах без исключения.

Когда мы собирались везти спектакль на гастроли в Израиль, я снова получил послание от Алексея Васильевича. После стандартного начала излагалась просьба:

«Ваш театр планирует гастроли в Израиль. Поскольку для регулярного участия в спектаклях очень важно поддержание физической, психологической и творческой формы, прошу обеспечить следующие условия моего пребывания на гастролях:

1. Для обеспечения нормального психологического и физиологического состояния артиста Петренко прошу взять на гастроли жену артиста Петренко Кожухову Галину Петровну.

2. Для обеспечения нормальной жизнедеятельности нашей семьи прошу предоставить нам два отдельных номера в гостинице и возможность регулярных контактов за завтраком, обедом и ужином.

3. Для поддержания физической формы членов нашей семьи и особенно артиста А. В. Петренко просим взять напрокат два велосипеда на всё время пребывания в Израиле…»

Дальше излагалось ещё несколько пунктов.

Я решил, что это – изощрённая форма розыгрыша, и позвонил жене Алексея Васильевича, с которой был вполне в приятельских отношениях.

Галя, — начал я, — у меня ощущение, что Петренко меня разыгрывает!

И Галина Петровна подробно разъяснила мне ситуацию:

— Ты совершенно не прав! Потому что ты смотришь на других артистов! Вот у тебя артистка Полищук и артист Филозов… Они мобильные, быстрые, активные – собрали чемоданчик, рванули на гастроли. Простые советские люди! И ты на них равняешься… А Петренко давно изучает контракты голливудских звёзд. И если он – один из ведущих артистов страны, а ты, я надеюсь, в этом не сомневаешься, то ему непонятно, почему там у них прописывают в контракте цвет кафеля в ванной гостиничного номера и сколько своих людей нужно на съёмках, а Петренко даже жену не может взять на гастроли!
(Из книги И. Л. Райхельгауза «Мы попали в запендю»)

В 2016 году Алексей Петренко, до этого уже много лет не выходивший на театральную сцену вернулся в «Школу современной пьесы», чтобы заменить Альберта Филозова в спектакле «Дом». Также специально для Алексея Васильевича была написана роль старого эмигранта в спектакле «Пока наливается пиво».

Звания и награды

В 1959 году окончил Школу-студию МХАТ (курс Виктора Станицына). Сезон 1959-1960 гг. работал в Московском драматическом театре имени К. С. Станиславского, вводился на роли Е. П. Леонова
В 1960-1961 годах работал в Театре имени Ермоловой
В 1961 году был призван в армию, отслужил два года в сапёрном батальоне.После армии вернулся в Московский драматический театр имени К. С. Станиславского, где работал с 1963 по 1984 год с М. О. Кнебель и А. А. Поповым, играл в спектаклях Анатолия Васильева.
В 1991-1995 годах был мастером актёрского курса во ВГИКе (совместно с Арменом Джигарханяном). Преподавал в ГИТИСе, являлся профессором кафедры режиссуры драмы (мастерская И. Л. Райхельгауза).

Рассказывает художественный руководитель «Школы современной пьесы» Иосиф Райхельгауз:

«Альберт Филозов отдал нашему театру 26 лет жизни. Это, конечно, потеря не только прекрасного артиста, но и замечательного педагога. Когда я предложил ему преподавать в ГИТИСе, он долго отказывался, но, в конце концов, согласился. Он никогда не говорил студенту «делай, как я», всегда старался понять, почему у актёра не получается…
Во всём, что касается быта, это был очень непритязательный человек. Я никогда не слышал от него жалоб на плохое размещение во время гастролей. В его жизни был период, когда вышло так, что жить негде, и он спокойно жил в гримёрке, на диванчике, в здании театра на Трубной площади…

Театральные работы:

Московский драматический театр им. К. С. Станиславского:

Звания и награды:
1983 — Заслуженный артист РСФСР
1994 – Народный артист Российской Федерации
2004 – Орден Дружбы («За многолетнюю плодотворную деятельность в области культуры и искусства»)
2014 – Российская национальная театральная премия имени Андрея Миронова «Фигаро»

На этой сцене он сыграл Эдмунда в «Короле Лире», главного героя в «Фаусте» Гёте, императора Тита в «Беренике» Расина, Панталоне в «Любви к трём апельсинам» Гоцци, Сказочника в «Снежной королеве» Шварца, Принца в «Принцессе Грёзе» Ростана и многие другие роли.

В 1992 году режиссёр Евгений Дворжецкий сыграл в Театре на Малой Бронной роль Шута в спектакле Сергея Женовача «Король Лир».

На сцене «Школы современной пьесы» Евгений Дворжецкий сыграл Пхелку в спектакле«Антигона в Нью-Йорке» по пьесе Я. Гловацкого, Медведенко в «Чайке» Чехова, Армана в спектакле Виктора Шамирова «Затерянные в раю», а также Дон Кихота в спектакле И. Райхельгауза «С приветом, Дон Кихот».

В кино Евгений Дворжецкий также играл разноплановые роли – от трагедии до яркого гротеска. Первая работа на экране – роль пасынка Достоевского в картине «26дней из жизни Достоевского» (1980). Позднее он сыграл в фильмах «Диссидент» (1988), «Узник замка Иф (1989), «Вход в лабиринт» (1989), «Хаги-Траггер» (1994), «Королева Марго» (1997), «Сибирский цирюльник» (1999) и других. Сам актёр особенно любил роль Шуры Балаганова в картине Василия Пичула «Мечты идиота» (1993) по мотивам романа И. Ильфа и Е. Петрова «Золотой телёнок».

Евгений Дворжецкий погиб в автокатастрофе 1 декабря 1999 года.

Звания и награды:
1997 – Заслуженный артист России

Ощущение детства как непрерывного праздника отняла война. Глава семьи, вопреки медицинским противопоказаниям, ушёл на фронт добровольцем. Девочка осталась с матерью в оккупированном Харькове.

«В августе акация не цветёт, но второе освобождение Харькова у меня почему-то связано с вкусом и запахом акации. Отовсюду жители несли солдатам большие букеты розовой и белой акации. В Харькове ее очень много. Она сладкая, особенно розовая. Я знаю. Когда хотелось есть, прекрасно «шла» и акация». (Из книги Л. М. Гурченко «Моё взрослое детство»)

В последней фразе особенно хорошо чувствуется изящество литературного стиля Людмилы Марковны. О голоде и других испытаниях в собственной жизни она умела рассказывать легко, с иронией. В простых словах нет ни жалости к себе, ни страха, — только благодарность по отношению к трудностям, сформировавшим личность.

Отец вернулся с войны осенью 1945 года, дойдя до Берлина. Людмила к тому времени уже училась в музыкальной школе. Желание петь, быть на сцене, в центре внимания, крепло с каждым годом.

В 1953 году Гурченко поступила во ВГИК – на курс С. А. Герасимова и Т. Ф. Макаровой.

Дебют в кино — Люся в фильме «Дорога правды» (1956). В том же году пришла первая большая роль — Лена Крылова в фильме Эльдара Рязанова «Карнавальная ночь» — и принесла с собой известность на всю страну.

Два года спустя, в 1958-м, Людмилу Гурченко вновь пригласили на главную роль — в картине «Девушка с гитарой». После этого фильма наступил большой перерыв в съёмках: её стали считать актрисой лёгкого, танцевального жанра. На преодоление этого штампа и возвращение в большое кино ушло много времени.

Эти годы не прошли для Людмилы Марковны даром. Имея не так много возможностей работать на сцене и экране, она сохранила актёрскую форму и веру в себя. После пятнадцати лет работы, не приносившей творческого удовлетворения, начался период серьёзных ролей и новых побед.

В их число входят «Двадцать дней без войны» Алексея Германа (1975), «Сибириада» Андрея Михалкова-Кончаловского (1978), «Пять вечеров» Никиты Михалкова (1979), «Любимая женщина механика Гаврилова» Петра Тодоровского (1981) «Любовь и голуби» Владимира Меньшова (1984) и др.

В фильмах Эльдара Рязанова Гурченко после «Карнавальной ночи» снималась ещё трижды: это были «Человек ниоткуда» (1961), «Вокзал для двоих» (1982) и «Старые клячи» (2000). Режиссёр с большим уважением говорил об её трудолюбии и методах работы актрисы. Вспоминая о работе над картиной «Вокзал для двоих» Рязанов писал: «Театральные артисты обычно не могут отдавать все свое время и все свои силы работе в кино. Участие в репертуаре, репетиции, вводы в спектакли забирают у актера театра не только время, но и часть творческой активности. Гурченко же, когда снимается, отдает себя целиком фильму, своей роли. В этот период из ее жизни исключается все, что может помешать работе, отвлечь, утомить, забрать силы, предназначенные для съемки. Когда кончается рабочий день, она возвращается домой и заново проигрывает все, что снималось сегодня, и готовится к завтрашней съемке. Каждый день она приходила в гримерную, прощупав, продумав, прочувствовав предстоящую сцену. Она точно знала, в чем драматургия эпизода, каково его место в картине, какие качества героини ей надо здесь проявить, где в тексте правда, а где ложь, Такой наполненности, такой самоотдачи, такого глубокого проникновения в суть своего персонажа я не встречал ни разу. Актерская работа, съемка — это ее религия, ее вера, ее жизнь. Ничего более дорогого, более святого, более любимого для нее не существует. Она живет этим и ради этого».

Но актёрская жизнь Людмилы Марковны прошла не только в кино. С 1963 по 1966 год она работала в театре «Современник», играла в спектаклях Олега Ефремова – «В день свадьбы», «Старшая сестра», «Вечно живые» и других. На этот же период пришлись работы в Театре-студии киноактёра: Матильда де ля Моль в спектакле по роману Стендаля «Красное и чёрное», Бьянка в «Целуй меня, Кэт» Кола Портера и Финея в «Дурочке» Лопе де Вега.

А в 1991 году Гурченко пришла в «Школу современной пьесы» на роль невесты в спектакле «А чой-то ты во фраке?» по «Предложению» Чехова. Её сценическими партнёрами стали Эммануил Виторган и Владимир Качан. Людмила Марковна всегда была требовательна к партнёрам, реагировала очень эмоционально, если видела, что кто-то не выкладывается до конца. Но иногда её гнев вызывали обстоятельства, не подвластные актёрскому мастерству. Вот как «провинился» Эммануил Гедеонович: «Однажды в кабинете – вспоминает Иосиф Райхельгауз, — я готовился к очередной репетиции, а в это время Гурченко и Виторган занимались на сцене с балетмейстером. По трансляции слышно было «и раз, и два, и три, и четыре…» Вера – наш концертмейстер – наяривала на пианино основную музыкальную тему «Фрака», и сквозь весь этот звуковой строй доносился характерный голос Гурченко, который становился всё громче, настойчивее, потом всё недовольнее и капризнее, и, в конце концов, превратился в какой-то визг. В редких паузах, наверное, когда Людмила Марковна брала дыхание, можно было разобрать речь Виторгана и испуганный лепет балетмейстера. Стало понятно, что это уже не рабочий момент репетиции, а настоящий скандал, и я побежал вмешиваться.
— Что случилось? – спросил я, войдя в зал.
Гурченко, пылая от негодования, показала в сторону Виторгана и взвизгнула:
— Я не буду с ним работать!
— Почему?
— У него мягкий палец!
— Что у него?
— Мягкий палец. С таким пальцем не танцуют!
По выражению лица Людмилы Марковны я понял, что случилась катастрофа, но не мог взять в толк, какая именно. Виторган внимательно рассматривал палец на руке, а балетмейстер путано и невнятно пыталась объяснить, что произошло. Оказалось, что артисты репетировали дуэт, и Людмила Марковна должна была делать вращение, держась за руку, а точнее за палец партнёра, то есть Виторгана. Как раз этот палец и был мягким, на что Эммануилу Гедеоновичу пришлось указать и потребовать, чтобы во имя общего дела он больше тренировался и добился от пальца необходимой твёрдости и жёсткости». (Из книги И. Л. Райхельгауза «Мы попали в запендю»)

После «Школы современной пьесы» Людмила Гурченко работала ещё в нескольких театрах. Яркими, насыщенными эпизодами сценического пути актрисы стали роли в спектаклях Андрея Житинкина «Поле битвы после победы принадлежит мародёрам» (Московский театр сатиры, 1995), а также «Бюро счастья» (1998) и «Случайное счастье милиционера Пешкина» (2004), поставленные с труппой ТО «Дуэт».

Людмила Гурченко – автор трёх автобиографических книг: «Моё взрослое детство», «Аплодисменты» и «Люся, стоп!».

Звания и награды:
1976 – Лауреат Государственной премии РСФСР имени братьев Васильевых
1982 – лауреат Международного кинофестиваля в Маниле, Филиппины (за роль в фильме «Любимая женщина механика Гаврилова»)
1983 – лауреат XVI Всесоюзного кинофестиваля (за роль в фильме «Вокзал для двоих»); Народная артистка СССР
1985 – лауреат Международного кинофестиваля комедийных фильмов в Габрово, Болгария (за роль в фильме «Прохиндиада, или Бег на месте»)
1992 – Приз кинофестиваля «Созвездие» в номинации «За выдающийся вклад в профессию»
1994 – Лауреат Государственной премии РФ
1999 – Почётный гражданин Харькова
2010 – Лауреат премии «Ника» в номинации «За честь и достоинство»
В 1981 году Людмила Марковна Гурченко получила орден Трудового Красного Знамени
Трижды награждена орденом «За заслуги перед отечеством»:
2000 год – IV степени, 2005 год – III степени, 2010 год – II степени

Источник