Станко́вая жи́вопись — род живописи, произведения которого имеют самостоятельное значение и воспринимаются независимо от окружения. Буквально — живопись, созданная на станке (мольберте).
Произведение станковой живописи — картина — создаётся на нестационарной (в отличие от монументальной), и не утилитарной (в отличие от декоративной) основе (холсте, картоне, доске, бумаге, шёлке), и предполагает самостоятельное и не обусловленное окружением восприятие.
Основные материалы станковой живописи — масляные, темперные и акварельные краски, гуашь, пастель, акрил. На Дальнем Востоке получила преимущественное распространение живопись тушью, (в основном — монохромная), зачастую интегрирующая каллиграфию.
Особое место занимает монотипия — псевдотиражная техника живописи, использующая характерный для эстампа приём нанесения красочного слоя на бумагу отпечатыванием с доски (металлической, пластиковой, стеклянной).
Европейская картина, как правило, отделяется от окружения рамой или паспарту, восточная традиция оставляет живопись в листе или свитке, иногда дублируя на декоративное основание.
Станковая живопись — один из основных видов изобразительного искусства, наиболее богатый жанрами и стилями.
Обучение станковой живописи ведется в художественных школах и студиях, в средних художественных училищах и художественных институтах, крупнейшими из которых в России являются институт имени И. Е. Репина в Петербурге, Рязанское художественное училище им. Г.К.Вагнера в Рязани и институт имени В. Сурикова в Москве.
Полезное
Смотреть что такое «Станковая живопись» в других словарях:
станковая живопись — разновидность живописи, которая, в отличие от монументальной, не связана с архитектурой, имеет самостоятельный характер. Произведения станковой живописи (картины) можно переносить из одного интерьера в другой, показывать в др. странах. Термин… … Художественная энциклопедия
Живопись — вид изобразительного искусства, произведения которого создаются с помощью красок, наносимых на какую либо твёрдую поверхность. В художественных произведениях, создаваемых живописью, используются цвет и рисунок, светотень, выразительность… … Художественная энциклопедия
ЖИВОПИСЬ — вид изобразительного искусства, произведения которого создаются с помощью красок, наносимых на какую либо поверхность. Живопись важное средство художественного отражения и истолкования действительности, воздействия на мысли и чувства зрителей.… … Большой Энциклопедический словарь
живопись — и; ж. 1. Изобразительное искусство, воспроизводящее предметы и явления реального мира с помощью красок. Масляная, акварельная ж. Ж. маслом. Портретная, пейзажная ж. Жанровая, батальная ж. Заниматься живописью. Интересоваться живописью. Уроки… … Энциклопедический словарь
живопись — и, только ед., ж. 1) Вид изобразительного искусства, воспроизводящий предметы и явления реального мира с помощью красок. Акварельная живопись. Портретная живопись. История развития живописи. 2) собир. Произведения этого вида искусства. Выставка… … Популярный словарь русского языка
ЖИВОПИСЬ — вид изобразительного искусства, произведения которого создаются на плоскости с применением красок и цветных материалов. Система цветовых сочетаний (колорит) позволяет передавать тончайшие нюансы действительности, а в целом изобразительные… … Евразийская мудрость от А до Я. Толковый словарь
Живопись античная — росписи восковыми красками (энкаустика) или темперой по штукатурке, мрамору, известняку, дереву, глине; известны росписи обществ, и жилых сооружений, склепов, надгробий, а также произв. станковой живописи. Болып во памятников др. гр. живописи… … Античный мир. Словарь-справочник.
живопись — ▲ художество ↑ посредством, цветовой тон живопись искусство, изображающее действительность красками. станковая живопись: картина произведение живописи. полотно. холст. диптих. триптих. монуметально декоративная живопись: стенная роспись,… … Идеографический словарь русского языка
ЖИВОПИСЬ — ЖИВОПИСЬ, и, жен. 1. Изобразительное искусство создание художественных образов с помощью красок. Уроки живописи. Школа живописи. 2. собир. Произведения этого искусства. Стенная ж. Станковая ж. | прил. живописный, ая, ое. Живописная мастерская.… … Толковый словарь Ожегова
Живопись — вид изобразительного искусства, художественные произведения, которые создаются с помощью красок, наносимых на какую либо твёрдую поверхность. Как и др. виды искусства (См. Искусство), Ж. выполняет идеологические и познавательные задачи, а … Большая советская энциклопедия
Станковая живопись – это техника, когда краска наносится на передвижную поверхность с целью создания самостоятельной картины. Название этого типа происходит от слова «станок», которым чаще всего бывает мольберт художника. Сегодня станковая живопись является самым распространенным искусством.
Благодаря мобильности произведений картины стали доступными для широкой массы зрителей. Также благодаря возможности перемещать полотна значительно облегчается реставрация станковой живописи, особенно в сравнении с произведениями монументального искусства.
Типы живописи
Живопись – один из самых древних способов самовыражения и передачи собственного видения реальности. Она учит изображать окружающий мир с помощью зрительных образов, техник и приемов, которые составляют язык изобразительного искусства. Его создавали и развивали художники и теоретики на протяжении тысячелетий, и сегодня он позволяет современным живописцам создать собственное «повествование».
Традиционно выделяют следующие типы живописи:
Определение и характеристика станковой живописи
Станковое произведение является самостоятельным предметом искусства. Оно может передвигаться в пространстве и даже пересекать государственные границы. Это и есть главная характеристика станковой живописи – то, что она не должна быть привязана к месту создания.
Картина – это предмет и результат такого искусства. На сегодняшний день нет единогласного мнения о том, какие техники и материалы принято считать станковой живописью, а какие – графикой. Мы будем придерживаться мнения, что станковая живопись – это нанесение любого типа краски на любую передвижную поверхность, вне зависимости от материала и размера. Таким образом, произведения, созданные акварелью, гуашью и даже пастелью, являются примерами этой техники.
История
История станковой живописи началась с использования каменных плит и деревянных панелей. Произведения, которые положили начало современному пониманию такого искусства, – иконы. Самое древнее нестационарное изображение Христа датируется VI веком и выполнено на деревянной панели, покрытой специально обработанной тканью.
Первые картины на дереве носили религиозный характер, но при этом не были иконами. Новатором станковой живописи стал представитель эры Проторенессанса Джотто ди Бондоне. Он создал несколько произведений – все они были выполнены темперой на тонких деревянных панелях из тополя, оклеенных холстом, обработанным смесью гипса и животного клея. Эта технология использовалась для создания икон в Византии.
Виды станковой живописи
В зависимости от материалов, использованных при создании картины, станковая живопись делится на несколько видов:
Кроме того, станковая живопись позволяет применять ряд вспомогательных материалов, таких как кисти, губки, валики, картонные полоски, мастихины и аэрозольные баллончики.
Особенности техники исполнения
С развитием искусства изменилась и технология станковой живописи. Современный мир расширяет доступ к знаниям и материалам, обеспечивая благодатную почву для экспериментов и поисков новых возможностей. Сегодня произведения станковой живописи могут быть созданы с помощью трафаретов и паттернов. Цвета добываются из новых материалов и пигментов. Сложно не потеряться в таком водовороте средств и ресурсов.
Однако масляные полотна, так же как и станковая темперная живопись, прошли многовековой путь развития. Именно поэтому сегодня существует традиционная, или академическая, техника станковой живописи, которая подразумевает следование ряду правил и традиций. Масляные краски являются наиболее популярными благодаря легкости нанесения и способности надолго сохранять цвета. Темпера, в свою очередь, отличается большей сложностью. Техника создания станковой темперной живописи обладает рядом специфических правил – например, затемнения тона пигмента лучше всего добиваться штриховкой или накладыванием одного слоя на другой.
Жанры станковой живописи
Жанровое богатство станковой живописи обусловлено ее мобильностью. Ведь легче перенести мольберт в лес, чем деревья в помещение. Тем самым станковая живопись расширяет возможности для написания полотен с натуры. Это особенно важно для таких жанров, как пейзаж, портрет и натюрморт.
Среди оказавших наибольшее влияние на становление и развитие станковой живописи необходимо выделить религиозный и мифологический жанры, а также исторический, портретный и сюжетный. Для современной станковой живописи особое значение имеют портрет, пейзаж и натюрморт.
Портрет
Такой жанр является очень динамичным, иногда его границы размываются и сливаются с такими жанрами, как мифологический, аллегорический и религиозный. Суть портрета заключается в том, чтобы с помощью художественных средств изобразить на холсте человека с присущими ему формами, чертами лица и особенностями характера.
В станковой живописи внешний вид модели, ее осязаемые и видимые характеристики сливаются с внутренними чертами, характеризующими ее. Все это находится в прямой зависимости от авторского восприятия, а также связи художника с моделью и портретом.
Пейзаж
Произведения, выполненные в этом жанре, изображают природу. Так же как и портрет, пейзаж часто размывает границы строгих жанровых определений и характеристик. Вероятно, из-за того, что на протяжении многих веков он использовался лишь как заполнение пространства на картине, сейчас, когда это самостоятельный жанр, его все еще применяют для создания фона в произведениях других жанров.
Пейзаж изображает природу в нескольких ее ипостасях – не тронутую человеком, преображенную человеком и взаимодействующую с ним. Среди поджанров стоит отметить морской, городской и деревенский пейзажи.
Натюрморт
С французского такое название переводится как «мертвая природа». Этот жанр станковой живописи фокусируется на изображении неодушевленных объектов. Как самостоятельная техника натюрморт оформился в XVII веке благодаря стараниям североевропейских мастеров. Во времена Возрождения он пользовался популярностью в декоративной живописи и часто становился украшением мебели и посуды.
Среди других популярных жанров станковой живописи можно выделить бытовую, иллюстрацию, аллегорию и анималистику.
Станковая живопись – определение, материалы, жанры и тонкости написания
Портрет, натюрморт, пейзаж, сюжет – это жанры, относящиеся к станковой живописи. А почему именно «станковая живопись»? Все потому, что название происходит от слова “станок”, т.е. это живопись, выполненная на мольберте.
Кстати, слово мольберт (от «Malbrett») имеет немецкие корни и расшифровывается как “доска для рисования”.
Станковая живопись – это род живописи, независящий от каких-либо объектов и является полностью автономным художеством. Например, есть монументальная живопись, которая привязана к архитектурным строениям. Она подразумевает украшение стен, потолков и других строений. Есть декоративная живопись – роспись стекол, одежды, посуды, мебели и т.д. Но станковая живопись воспринимается как самостоятельная единица. Это словно окно в другую реальность или время.
Самыми известными художниками этой живописи считаются: Пабло Пикассо, Винсент Ван Гог, Иван Айвазовский, Михаил Врубель, Диего Веласкес и другие.
4 основных жанра станковой живописи
Мир живописи огромен! И чтобы это как-то разграничить, начали появляться жанры станковой живописи, которые помогали художникам сориентироваться в своей сфере и обобщить художественные особенности.
Интересно! Когда-то было время, в котором каждый жанр имел свой ранг. Самыми низкими считались жанры пейзаж и портрет, а высшим по рейтингу был сюжетный жанр исторической разновидности. Еще тогда знаменитый Вольтер считал эти установки несправедливыми. Для него все жанры были хороши, не считая скучных.
1. Портрет.
Перед художником этого жанра стоит непростая задача. Чтобы написать портрет человека, нужно иметь опыт и зрелое мастерство. Кажется, что это легко, но портрет должен не просто быть схожим с оригиналом, а и быть живым.
Как говорил Крамской – «написать надобно бы так, словно оно улыбается, не то нет, теперь как губы дрогнули, словом, черт знает что, живой!».
Вспомните, наверняка вы видели портреты, на которых изображен человек с точной схожестью. Но что-то в нем было не так, будто подменили его. Схож, но не похож. Знакомо?
2. Пейзаж.
В этом жанре художник передаёт зрителю всю полноту переживаний и эмоций от восприятия природы: морской вид, ландшафты, строения и т.п. Художник не только изображает природу определенного места, а и вкладывает в картину своё мировоззрение, настроение и мысль, связанное с объектом.
Интересно! Если вспомнить знаменитую «Владимирку» И. Левитана, картина сразу же вызывает какое-то чувство скорби, грусти и тяжести. А ведь на картине изображена дорога, по которой арестантов гнали на каторгу в царские времена.
Нельзя не упомянуть мастеров советского пейзажа:
3. Сюжет
У сюжетной живописи существует 5 подвидов: исторический, бытовой, мифологический, религиозный и батальный. Сей жанр требует от художника восстановить всю полноту событий – атмосферу, людей, жизненные приоритеты, время, чувства и т.д. Словно живописец возобновляет один, но очень яркий и точный фрагмент из прошлого.
Некоторые картины этого жанра могут восприниматься человеком легко. А другие могут требовать каких-то познаний в области и особого внимания (например, религиозные или мифологические картины).
Что касается бытового подвида, тут мастер акцентирует наше внимание на обыденных вещах в повседневной жизни так, что на картине они воспринимаются по-новому и необычно.
С улыбкой вспоминаются персонажи Анатолия Козельского: надо же, столько юмора и фантазии – восхитительно!
4. Натюрморт.
Это французское слово расшифровывается как «мертвая природа». Живописец этого жанра изображает неодушевленные предметы: еду, интерьер, цветы и т.п. Но это отнюдь не слепое повторение формы и цвета объекта, художник также оставляет на картине свои думы, настроение и переживания.
В своих натюрмортах «Снедь московская. Мясо, дичь» и «Снедь московская. Хлеба» И. Машков передает свое восхищение и ликование от даров природы, а также жизнеутверждающий взгляд и оптимизм, который всегда был свойственен советским людям.
Как мастера пишут станковую картину?
Классика станковой живописи – холст, масляные или темперные краски. Иногда используются пастель, акварельные краски, гуашь и даже тушь (на дальнем Востоке). Ну и никуда без старого, доброго мольберта. Уже прошли столетия, а это все тот же трех- или четырехногий инструмент.
Кстати, знали ли вы, что в прошлые века в качестве основы для станковой живописи использовали дерево? На Западе художники брали рисовую бумагу, шелк и пергамент. Но сейчас, конечно же, это проклеенный и прогрунтованный холст.
Так сложилось исторически, что чаще всего картину пишут маслом. Краски долго сохраняют яркость и свой цвет.
Не реже используют и темперные краски. Они отличаются равномерной просушкой и не дают трещин (кракелюр), как это может случаться с некоторыми масляными красками. Темпера – это строгая и жесткая техника. Например, для перехода тонов живописец накладывает один слой на другой, а объем выявляется путем изменения тона пигмента либо штриховкой.
В заключение
Опытный мастер не сразу берет кисть и начинает творить шедевры! Сначала художник начинает с эскиза, потом занимается контурами обстановки, формами предметов и построением будущей картины (композицией).
Когда это готово, художник приступает к изучению людей, обстановки, нужных поз, света, психологического настроя и т.д. Все это дает художнику сложить готовую картину в голове, уже после чего, он начинает писать. Только так картина получается живой и становится объектом нашего восхищения.
P.S. Пара слов об обучении станковой живописи.
В России обучение станковой живописи проводится в художественном училище имени Г.К.Вагнера (Рязань), в институте имени В. Сурикова (Москва) и в институте имени Е. Репина (Петербург).
Лекционный материал «Живописная грамотность: символика цвета и техника письма»
Данный модуль описывает приемы и техники письма в живописи с применением различных изобразительных средств, роль рисунка в живописи и применение цветовых комбинаций для передачи реалистичных изображений с учетом форм, объемов и эстетического визуального восприятия произведения.
Просмотр содержимого документа «Лекционный материал «Живописная грамотность: символика цвета и техника письма»»
Модуль 4.«Живописная грамотность: символика цвета и техника письма»
Тема 1. Живопись, как вид изобразительного искусства. Виды и жанры.
Тема 2. Рисунок в живописи. Значение и символика цвета.
Тема 3. Техники письма в живописи. Палитра.
Тема 4. Натюрморт в живописи: цвет и техника гризайль.
Данный модуль описывает приемы и техники письма в живописи с применением различных изобразительных средств, роль рисунка в живописи и применение цветовых комбинаций для передачи реалистичных изображений с учетом форм, объемов и эстетического визуального восприятия произведения.
Тема 1. Живопись, как вид изобразительного искусства. Виды и жанры.
Живопись-это распространенный вид изобразительного искусства. В отличии от карандашного рисунка, живопись создается красками, нанесенными на какую-либо поверхность (бумагу, холст). Живопись отражает художественно-образное выражение мира. В живописи используется рисунок, цвет, светотени, выразительность мазков, фактура и композиция.
По своим видам живопись бывает:
Монументальная живопись. Это фреска и мозаика. Оба названия происходят от итальянского значения: фреска от fresco-свежий, мозаика от mosaique-посвященная музам. Фреска-это живописная техника красками, разведенными водой и выполненной по свежей сырой штукатурке. Мозаика-изображение, выполненное из однородных или различных по составу материала частиц камня, смальты, керамической плитки, закрепляющиеся в слое грунта (извести или цемента). Фреска и мозаика долговечны и стойки по цвету. Основное их применение-это украшение архитектурных фрагментов (стенная роспись, панно и т.п.).
Станковая живопись. Картина, имеющая много жанров: натюрморт, бытовой, исторический, батальный, пейзаж, портрет. Станковая живопись не привязана к плоскости стены, к примеру. Художественные идеи станковой живописи не меняются в зависимости от их расположения.
Декорационная живопись. К этому виду относятся эскизы театральных и кинодекораций, костюмы, миниатюры и иконопись.
Высокое мастерство древнерусской живописи XV в. выражено в шедевре Андрея Рублева-иконе «Троица» (приложение № 1) Икона содержит глубокий поэтический и философский смысл. Тона изображения сливаются в согласованную гамму, а само изображение, вписанное в круг, подчиняет себе все линии контуров.
Живопись имеет особый художественный язык, с помощью которого художник передает замысел и чувства, отражающие действительность. Характеризуясь техническим совершенством, живопись не может являться художественным произведением, если не вызывает эмоций у зрителя, сопереживания и т.п. Миропонимание и эстетическая позиция художника выражается в том, что подчеркивает главное и характерное обобщая детали, т.е. не просто точно передает изображение, а передает именно художественный образ.
Натюрморт-это самостоятельный жанр живописи. Художник выражает в натюрморте стороны жизни, нравы, вкусы и т.п., отражая это через материальную сущность предметов. Свое отношение к действительности, чувства, мысли, художник может выразить через отбор объектов натюрморта. К примеру: цветы, которые отражают красоту мира, эстетическое отношения художника и т.п. (приложение № 1)
Бытовой жанр-наиболее распространенный вид станковой картины. Темы бытового жанра-это жизнь и повседневные ее проявления. Жанр занял ведущие позиции в XIX в., когда наиболее распространено было изображение простых жизненных ситуаций. Бытовых, с изображением людей, их чувств, жизни. (приложение № 1)
Исторический жанр-живопись, изображающая исторические действия, прошлое Родины. Художники обращались к образам войны, воителей, к мужеству и стойкости народа, прошедшему суровые испытания (приложение № 1)
Батальный жанр-разновидность исторического жанра (приложение № 1)
Пейзаж-важное дополнение к бытовым, батальным, историческим картинам, а также, как и самостоятельный живописный жанр. Образы природы, рождающие у людей настроение, переживание, раздумья. К примеру: различные состояния моря, времена года, погода и т.п. (приложение № 1)
Портрет-образ, изображаемый какого-либо человека и людей. Человек может жить сейчас, или в прошлом. Важный факт в портрете — это то, что должно быть сходство с изображаемым (с оригиналом). Портрет может быть выполнен не в полный рост, подгрудное, поясное, групповой). Раскрытие духовной сущности изображаемого особенно важно в портрете (приложение № 1).
Изобразительная грамота подразумевает не только навыки конструкции предметов, но и правила и законы живописного изображения натуры, объемных, материальных и пространственных качествах, цветовой гармонии, колорите.
Тема 2. Рисунок в живописи. Значение и символика цвета.
На рисунке основываются способы, приемы и средства построения на плоскости живописных форм. Сами по себе краски, без рисунка, не передают свойства предметов, их пропорций, объемы, пространство и т.д. Рисунок-это начало и основа обучения живописи. Для передачи объема и материальности предметов в рисунке необходимо владеть законами светотени и тоновыми передачами рисунка, чувством пропорций и перспективы. Без этих знаний невозможно передать характеристики цветом, т.е. цветовые мазки самостоятельно не выражают закономерность цветового построения реалистической формы. У учащихся на начальных этапах живописи не всегда проявляется правильное расположение предметов на плоскости (на листе) за счет недооценки ими рисунка в живописи. Знание рисунка помогает передать пластическую форму. Работа над натурной постановкой невозможна лишь с линейным абрисом (контуром) предметов и их последующей раскраской. Художнику требуется постоянно рисовать, уточняя пропорции и форму предметов в процессе работы над цветовыми и тональными отношениями в рисунке.
Все предметы изначально имеют свой собственный цвет. К примеру: лимоны-желтые, огурец-зеленый, помидор-красный, баклажан-фиолетовый и т.д. При ярком освещении цвет любого предмета хорошо виден. Но он может измениться с переменой освещения, а иногда и вовсе стать невидимым, к примеру, в полной темноте. Учение о цвете и принципы его применения в живописи имеют тесную связь. Искусство отражает жизнь человека и окружающее его среду, природу. Природа объединяет различные цвета, но не может открыть художнику законы цветовой гармонии и колорита. Живопись-это изобразительное искусство, эстетически отражающее действительность. На развитие живописи, в том числе и цвета, оказали импрессионисты. Они отслеживали и улавливали малейшие цветовые изменения, открыли новое проявление повседневности во всем богатстве красок, гармонию и колористические качества цвета. К примеру: Клод Моне (1) в картине «Стога» (приложение № 2) показал изменения цвета предметов в зависимости от освещения. Импрессионисты первыми научились «ловить» свет и применять это свойство в своих работах в живописи. Учащийся должен знать и понимать, что на окраску предмета большое влияние оказывают многие факторы: освещение, рефлексы, цветовая перспектива. Для успеха и достижения реалистичности и гармонии в живописи, художнику надо научиться видеть цвет в условиях конкретного освещения и при взаимодействии (соседстве) с другими предметами. Т.е. на восприятие цвета воздействуют прямые лучи света, попадающие на открытые поверхности; свет от рядом находящихся предметов (т.е. рефлексы от них); природный цвет самого предмета; человеческий глаз, воспринимающий оттенки и нюансы цвета. Свойства цвета можно разделить на две группы: «собственные»-цветовой тон, светлота, насыщенность (т.е. объективные качества) и «несобственные»-следствие эмоциональных реакций, т.е.: «теплые», «холодные», «глухие», «выступающие», «отступающие» и т.п. У художников есть характеристики «несобственных» качеств. К примеру: «звонкие»-ярко-красные, «легкие»-светлые тона, «тяжелые»-темные тона. «Выступающие» и « отступающие» обусловлены ощущением пространства глубины. При размещении рядом двух предметов синего и красного цвета, то синий покажется « отступающим», т.к. напоминает дальние предметы. Цвет эмоционально-воздействует на зрительное восприятие. К примеру: Винсент Ван Гог (2) сознательно использовал этот прием в своей картине «Ночное кафе» (приложение № 2). Сталкивая контрасты нежно-розового с кроваво-красным и винно-красным, нежно-зеленого с желто-зеленым и сине-зеленым, пытался создать атмосферу демонической мощи места, в котором можно сойти с ума или совершить преступление, как писал сам автор (Ван Гог. Письма 1966г.)
Человек получает различного рода настроение, воспринимая цвет предмета. Это может быть: радость, печаль, страх, уныние, легкость и т.п. Через образное воздействие цвет способен вызывать в человеке определенные мысли и чувства. К примеру: красный цвет-возбуждает, зеленый-успокаивает, черный-угнетает.
В современном искусстве символические цвета (условные обозначения) используются в оформлении гербов, флагов, эмблем и т.п.
Все цвета делятся на две группы: ахроматические –бесцветные, т.е. белый, серый и черный, отличающиеся друг от друга по светлоте. Остальные цвета называются-хроматическими. Ахроматические цвета не имеют цветового тона, хроматические цвета различаются степенью цветности.
Спектральные цвета. Естественная шкала цветовых тонов-спектр солнечного света. В нем цвета расположены в следующей последовательности: красный, оранжево-красный, оранжевый, оранжево-желтый, желтый, зеленовато-желтый, желтовато-зеленый, зеленый, голубовато-зеленый, голубой, синий, фиолетовый.
Под светлотой понимается наличие в цвете какого-либо количества черного или белого пигмента. Если к хроматическому цвету добавить ахроматический разной светлоты, то изменяется и его насыщенность, и светлота. К примеру: прибавив белый цвет к синему или красному, уменьшается насыщенность и увеличивается светлота. Таким образом получается большое множество светлых тоном, которые называются пастельными.
Тема 3. Техники письма в живописи. Палитра.
При обучении письму в живописи, учащемуся необходимо знать все сопутствующие материалы для этого, инструменты, техники и технологии.
В живописи используется разнообразные материалы, зависящие от техники и технологии: акварель, гуашь, темпера, масло, пастель и т.д. «Звучание» цвета в живописном рисунке зависит от манеры письма и от свойства материала (пигмента и связующего красочный материал вещества) и основы для рисунка (холста, картона, бумаги с особенностями фактуры).
Различаются корпусные (плотные, пастозные), кроющие (непрозрачные), фактурные (рельефные), полупросвечивающие и прозрачные (лессировочные) виды письма. Их отличия в толщине красочного слоя и разном поглощении лучей, попадающих на красочный слой света.
В корпусном (пастозном) письме цвет бумаги (или грунта), практически, не оказывает влияния на цвет нанесенных красок.
Полупросвечивающий красочный слой отражает часть проходящих лучей через его поверхность.
Прозрачное письмо (лессировка)-проникновение света глубоко в цветной слой краски. Здесь важно основание красочного слоя. Эффект последовательного наложения прозрачных слоев разноцветных красок влияет на цвет поверхности. Цвет в лессировке зависит от прозрачности слоев наносимых красок и от общей толщины слоя краски (плотный слой-большее поглощение цвета, увеличивает насыщенность получаемого или воспринимаемого цвета).
Акварель-краска, разводимая водой.
Гуашь-краска, состоящая из тонко растертых пигментов с водно-клеевым связующим и примесью белил.
Темпера-живопись красками, чье связующее вещество эмульсия из воды и яичного желтка, разведенного на воде растительного или животного клея, смешанного с маслом. Цвет в живописи темперой стоек к внешним воздействиям и долго сохраняют первоначальную свежесть.
Масляная живопись-вид письма масляными красками, готовящимися при растирании неорганических пигментов в отбеленном льняном масле, иногда с добавлением орехового или подсолнечного. Основа для письма масляными красками-холст, картон, дерево, металл, покрытые специальным грунтом (в станковой живописи) или известковой штукатуркой (в монументальной живописи). Масляная живопись отличается особой выразительностью и динамикой. Эта техника позволяет достичь зрительной иллюзии объема и пространства в рисунке, а также богатых цветовых эффектов и глубины тона. Живопись выполняется мазками, которые могут быть: кроющими (непрозрачными), лессировочными (прозрачными), корпусными (плотными), фактурными (рельефными), тонкими, гладкими и пр.
Все краски разделяются на устойчивые и неустойчивые. Дольше других не разрушаются от времени гуашь, эмаль. При неправильном хранении теряет цвет (обесцвечивается) акварель, темнеют масляные краски. Необходимо учитывать свойства материалов и техники письма, чтобы уберечь живопись от вредного воздействия (света, влаги, температуры, испарений и т.п.)
Палитру можно рассматривать как широту творческого диапазона художника, колорите красок в живописном рисунке. В реальности, палитра –это форма (предмет, плоскость), на которой смешиваются краски во время работы художника. Материал для палитры подбирается с учетом специфики краски. К примеру: акварель не рекомендуется смешивать на бумаге, т.к. она размокает и клей попадает в краску с комочками бумаги, от чего живопись загрязняется. Для акварели хороша пластмассовая белая основа палитры.
Для масляной живописи краски смешивают на деревянной поверхности. Для начала необходимо выдавить масляные краски из тюбиков на палитру. После работы палитру необходимо очистить мастихином, пока краска не засохла, а потом протереть промасленной тряпочкой и так после каждого сеанса письма. Палитра-это важная часть работы художника. На палитре смешиваются тона, получая новые цветовые смеси, которые добавляют колорит и богатство цвета в живописный рисунок.
В качестве технических упражнений по теме цвета и работе с красками, с учащимися поможно использовать технику ровной заливки плоскости, к примеру, тремя основными цветами: красным, желтым, синим.
Тема 4. Натюрморт в живописи: цвет и техника гризайль.
На начальном этапе обучению живописному рисунку, учащийся изображает в цвете предметы без фона и предметы, привязанные к фону. Опыт изображения предметов по отдельности, позволяет перейти к изображению предметов, собранных в натурную постановку. Для усвоения живописной грамоты именно натюрморт является особо ценным объектом изображения. Работа с натюрмортом-это умение реалистично, правдиво изобразить с натуры форму и цвет предметов. В натюрморте тесно связаны рисунок и живопись. Для учащегося натюрморт-лучшая школа, т.к. он (учащийся) в изображении натюрморта постигает законы цветовой гармонии, пластику форм, технические приемы, творческое отношение к натуре.
Процесс тонального изображения предметов может происходить в техниках: гризайль или цветной. Для учащихся полезно начинать работу с натюрмортом именно с техники гризайль, чтобы научиться выявлять тональные отношения в рисунке. Гризайль-это вид изображения черно-белой или одноцветной краской (синей, коричневой). Отработка этих упражнений в технике гризайль помогает учащемуся более уверенно выражать форму предметов или группы предметов (приложение № 3). В живописи, рисуя кистью, важно освоить технику передачи формы с помощью лепки, основанной на светотеневой передаче объема. Гризайль (от французского gris-серый)-тональное изображение натюрморта. В построении натюрморта в технике гризайль последовательность подготовительных рисунков такая же, как и в цветном: композиционная группировка, построение формы. Важно тональное светотеневое изображение предметов. Один предметы-темные, другие-светлые, на одних предметах собственные тени-плотные («тяжелые»), на других-светлые ( «легкие»). Важно передать пропорции светлотных соотношений предметов в отношении друг к другу и к фону.
Последовательность работы над натюрмортом гризайлью:
Лист бумаги смачивается чистой водой. Подготовим черную (или коричневую) краску, разведя ее до консистенции, необходимой при учете изменения насыщенности при высыхании. Прокладка тоном начинается с самого темного предмета и глубокой тени на его линии светораздела. На всех предметах необходимо показать тени с помощью прозрачного раствора красок. При этом рефлексы закрываем и плавно переводим полутень в тень с помощью отжатой кисти. Освещенные поверхности предметов не стоит перекрывать пока тоном. Фон заливается прозрачным слоем краски, без учета складок (в драпировке). В результате: получаем основные светотеневые отношения между теневыми и освещенными частями предметов после предварительной тоновой прокладки. Далее конкретнее выделяем силу тона предметов (каждого). Для этого сопоставляем тени, полутона и светлые места предметов, их собственные и падающие тени. После переходим к детальной проработке светотени каждого предмете и к объемам. Прорисываем светлые места, сравнивая их между собой, не забывая про фон. Мазки краски ложатся по форме поверхности предмета. Теневые поверхности усиливаются многослойным письмом способом лессировки. Стоит учитывать, что каждый предмет имеет свой, отличный от других тон. Поэтому важно добиваться правильных градаций светотени, сравнивая отношения между предметами. Надо учитывать движениеи света на плоскости и предметах. Чем ближе к источнику света предмет, тем ярче и активнее на нем светотеневые контрасты. Предметы на переднем плане постановки-более четкие, по мере удаления-менее заметны. В последнюю очередь переходим от деталей к обобщению. Предметы (или вся группа) должны быть приведены в целое, единое.
(1) Клод Моне 1840-1926г. Французский живописец, один из основателей импрессионизма.
(2) Винсент Ван Гог 1853-1890г. Нидерландский художник постимпрессионист, чьи работы оказали вневременное влияние на живопись 20 века. За десять с небольшим лет он создал более 2100 произведений, включая около 860 картин маслом.
1. Кухта М.С. История искусств, 2010
2. Алексеев П.К., Короткова А.Л., Трофимов В.А., Основы изобразительной грамоты. –СПб: НИУ ИТМО, 2011. – 70 с.
3. Землякова Г. М. Живописные этюды и наброски как средство формирования художественных и педагогических способностей студентов художественно-графического факультета педагогического института.
4. Ажгихин С. Г. Формирование живописных умений и навыков у студентов в процессе теоретического и практического изучения иехнологии и техники масляной живописи
5. Заболотняя Н. П. Формирование творческих способностей студентов на занятиях живописью в ВУЗе
6. Евтых С.Ш. Живопись натюрморта: Методические указания к практическим занятиям. – Оренбург: ГОУ ОГУ, 2003. – 18 с.
