Полдень петров водкин картина что изображено
Описание картины Кузьмы Петрова-Водкина «Полдень»
Картина поражает своим величием. Тема, выбранная художником, отражает положение крестьянства в России того времени. Безграничность земель не дала возможности отобразить каждый потаенный уголок страны.
Вся исконно русская красота, всё богатство природы постарался передать Петров-Водкин в своей работе. Очень необычен ракурс, будто создатель сам поднялся высоко-высоко в облака. На одном полотне как бы объединены сразу же несколько картин, показывающих размеренный быт крестьян. Какая-либо сюжетная линия отсутствует. Намешаны сразу же несколько событий русского народа, которые так или иначе происходят с каждым. Но только у отдельно взятого крестьянина все эти явления протекают последовательно, а одновременно – в деревеньках, разбросанных и тут и там. Художник постарался передать быт не определенного населенного кусочка земли, а всей огромной территории страны. Этим и обусловлена особенность подачи изображения. Как уже отмечалось выше, вид как бы сверху. Петров-Водкин отдаляется от реального восприятия, пытаясь окинуть своим взглядом всю Россию. Цвета, выбранные кистью живописца, не случайны. Они очень традиционны для этого народа. Отмечается преобладание в одежде белого, красного и синего. Свободные рубахи на мужчинах, платки и юбки до пят на женщинах – всё это вполне привычно для крестьян. Основным тоном пейзажа выступает зеленый (поля, леса, луга, трава, кустарники) и синий (небо и река). Однако в целом картина выглядит очень гармонично. Нет никаких ярких пятен, резко бросающихся в глаза. Цветовое решение очень приятно для ценителей искусства. Подводя итог, можно еще раз восхититься этим полотном великого художника, попытавшегося вобрать в одно произведение особенности такого многочисленного, древнего и имеющего богатейшую историю русского народа.
Кузьма Петров-Водкин Петроградская мадонна
Картина Кузьмы Сергеевича Петрова-Водкина «1918 год в Петрограде», написанная в 1920 году, является одной из самых запоминающихся и значимых работ мастера, не считая, конечно, его знаменитого полотна «Купание красного коня». Выставленная в Третьяковке, она больше известна под названием «Петроградская мадонна».
Строгие критики считали эту работу «отражением эпохи» и «историческим символом» революции. Были высказывания о том, что «Петроградская мадонна» — это лицо, настроение революционной столицы и олицетворение России того неспокойного времени…
Женщина на картине, в глазах которой видна тревога за будущее, может только смиренно ждать завтрашнего дня, не зная что будет с народом и с ней самой…
Сюжет поражает простотой
Сюжет картины «Петроградская мадонна» поражает своей простотой и реалистичностью. Главная героиня — молодая женщина. Её голова повязана белым платком, в глазах — тревога и смирение. На руках у молодой матери — мальчик, прильнувший к груди. Его личика не видно, но нет сомнений: малыш — ровесник Великой октябрьской социалистической революции 1917 года. Когда смотришь на полотно, невольно возникает мысль, что перед тобой не лицо обычной горожанки, а иконописный лик. Автор представил женщину в очевидном образе Богоматери. Выражение лица и сами его черты, поза, одежда — всё отсылает к иконописным традициям, которые художник прекрасно знал, ибо серьёзно изучал.
Не менее интересен фон картины. Присмотревшись, можно увидеть листовки на стенах. К слову, если верить воспоминаниям очевидцев, тогда за каждым поворотом прохожих ожидали революционные манифесты и воззвания. Здания с выбитыми стеклами в окнах, но, тем не менее, нельзя сказать, что они разгромлены. Наоборот, почему-то создается впечатление, что это здания эпохи Возрождения. Петроград кисти Петрова-Водкина выглядит очень красивым и гармоничным.
Пешеходы на улице сбились в группы. Скорее всего, они делятся тревожными новостями и слухами. А может просто обсуждают самый больной в то время вопрос: где взять хлеба?
Художник намеренно изобразил улицы пустынными и широкими, а дома — высокими и мрачными. В этом большом городе никому нет дела до бед «маленького человека», и матери с младенцем также некому обратиться за помощью.
«Петроградская мадонна»
Однако «Петроградскую мадонну» Кузьмы Петрова-Водкина нельзя назвать трогательной или романтической картиной. Она скорее похожа на новостную сводку и сухую констатацию фактов. Зритель, глядя на нее прекрасно понимает: в стране царит разруха, страх, нищета.
Однако жизнь продолжается и этот образ матери с младенцем. Так сказать, рождение новой России… Поэтому нет ничего удивительного, что именно «Петроградская мадонна» завершает цикл о материнстве в творчестве Петрова-Водкина, куда вошли «Девушки на Волге», «Утро», «Мать».
Художник и революция
В 1918 году Кузьма Петров-Водкин становится одним из учредителей и активных участников Вольфилы (Вольной философской ассоциации). Это была территория свободного мнения, новых идей режиссеров, поэтов, художников, так сказать, магнит для молодых и голодных студентов. Андрей Белый читал здесь «Симфонии» и доклад «Кризис культуры», Александр Блок — поэму «Двенадцать» еще до того, как она была напечатана, а Евгений Замятин — роман «Мы» как предупреждение об «опасности государственного абсолютизма».
Участники почти не говорили о политике, однако свято верили, что революция политическая должна стать прежде всего основой для революции духовной. Главными темами в клубах, кружках и дискуссиях Вольфилы была философия искусства и духовного преображения человека.
Сегодня кому-то покажется странным, но несмотря на голод и холод люди свято верили в новую жизнь. Так что не удивительно, что у художник возникла идея написать именно такую картину-возрождение, ибо он, как и все, надеялись на счастливое будущее.
Творческие приёмы
Именно тогда Петров-Водкин окончательно разработал собственную теорию живописи и особые творческие приёмы, так сказать, «сферическую перспективу», который даёт ощущение шарообразной поверхности, и «трёхцветие» — использование красного, синего и жёлтого цветов. Эти приёмы Кузьма-Петров Водкин использовал в своих поздних работах, включая портреты и натюрморты: «Полдень», «Утро. Купальщицы», «Девушка в красном платке (Работница)», «Утренний натюрморт».
К 10-летнему юбилею Красной армии Кузьма Петров-Водкин написал картину «Смерть комиссара». На переднем плане он изобразил раненого мужчину в комиссарской форме, которому не дает упасть на землю его ординарец, на заднем плане — подстреленного солдата и его уходящих однополчан. Полотно признали шедевром выставки Ассоциации художников революционной России, а искусствовед Яков Тугендхольд даже назвал его «гвоздём» всей экспозиции. Но, это, так сказать, был практически последний его шедевр.
Художник и мыслитель
В 1928 году здоровье Кузьмы Сергеевича ухудшилось и он по совету врачей почти бросил писать картины. Художник переезжает жить в Детское село. Иногда берётся за кисть, но чаще занимается писательством.
Мастера не стало 15 февраля 1939 года. В память о нем его друг, тоже художник, Павел Кузнецов написал:
«Это был мастер, преданный своему делу, пламенный, прямолинейный, глубокий. Будучи связан с ним ещё с детских лет, я с чувством уважения отмечаю, что он эти черты пронёс через всю жизнь свою и через всё искусство своё. Со школьных лет К. С. всегда искал новых изобразительных путей, много думал над вещами, прежде чем написать их. Он подвергал свои работы тщательному анализу, будучи от природы не только художником, но и мыслителем».
LiveInternetLiveInternet
—Музыка
—Всегда под рукой
ХУДОЖНИК: Кузьма Сергеевич Петров-Водкин
«Богоматерь Умиление злых сердец» 1914-1915
Первые робкие опыты привели пятнадцатилетнего юношу в Классы живописи и рисования Ф. Е. Бурова (Самара). В 1895 году с помощью меценатов он отправился в Петербург и поступил в Центральное училище технического рисования барона А. Л. Штиглица. Однако спустя два года, осознавая свое живописное призвание, Петров-Водкин перешел в Московское училище живописи, ваяния и зодчества (МУЖВЗ), которое окончил в 1904 году. Здесь ему посчастливилось работать в мастерской Валентина Серова. Кроме того, в 1901 году он был в Мюнхене, где посещал художественную школу А. Ашбе. Годы пребывания в МУЖВЗ отмечены литературными занятиями (проза и драматургия), подчас столь интенсивными, что художник даже колебался в выборе между живописью и литературой. Путешествие в Италию, длительное пребывание во Франции, учеба в парижских студиях, знакомство с современным европейским искусством расширили художественный горизонт Петрова-Водкина, окончательно определив выбор пути. Поездка в Северную Африку послужила основой работ, показанных в парижском Салоне (1908), а затем и на родине. В 1909 году в редакции журнала «Аполлон» состоялась первая персональная выставка Петрова-Водкина. На следующий год художник стал членом объединения «Мир искусства», с которым был связан до его роспуска (1924).
«Яблоко и вишня» 1907
«В мастерской художника» 1901
«Портрет Марии Федоровны Петровой-Водкиной, жены художника» 1907
«Портрет Анны Пантелеевны Петровой-Водкиной, матери художника» 1909
«Женщина в хитоне» 1910
«Изгнание из Рая» 1911
«Купание красного коня» 1912
«Женская голова» 1912
«Натюрморт с яблоками» 1912
«Портрет Наташи Грековой (Казачка)» 1912
«Юность (поцелуй)» 1913
На протяжении 1910-х годов амплитуда поисков Петрова-Водкина остается очень широкой. Рядом с холстами монументально-декоративного характера, не лишенными стилизации («Девушки на Волге», 1915), возникают психологизированные образы в «оболочке» почти натуралистической формы («На линии огня», 1916).
«Портрет мальчика» 1913
«Девушки на Волге» 1915
«На линии огня» 1916
Наиболее органичными представляются произведения, связанные с темой материнства, проходящей через все творчество Петрова-Водкина («Мать», 1913; «Мать», 1915; «Утро. Купальщицы», 1917).
«Женская голова» 1918
«Микула Селянинович. Голова» Этюд. 1918
«Головы мальчиков» 1918
«1918 год в Петрограде» 1920
«Голова мальчика-узбека.» 1921
Космологический символизм сказывается и в портретах («Автопортрет», 1918; «Голова мальчика-узбека», 1921; «Портрет Анны Ахматовой», 1922, и др.). Художник считал живопись орудием усовершенствования человеческой природы и стремился обнаружить в человеке проявление вечных законов мирового устройства, сделать каждое конкретное изображение олицетворением связи космических сил. Может быть, именно это позволяло ему читать судьбу по лицам.
«Портрет Анны Андреевны Ахматовой» 1922
«Голова мальчика-узбека» 1921
«Ташкент (в чайхане)» 1921
«Утренний натюрморт» 1918
«Портрет дочери художника» 1923
«Портрет Н.А. (Женский портрет)»
В первые послереволюционные годы Петров-Водкин особенно часто обращался к натюрморту, находя в этом жанре богатые экспериментальные возможности («Утренний натюрморт», 1918; «Натюрморт с зеркалом», 1919; «Натюрморт с синей пепельницей», 1920). Предметы включены в то же единство всеобщей, космической связи: взятые с высокой точки зрения, в ясно обозримых пространственных отношениях, они активно взаимодействуют, общаются друг с другом на своем предметном языке. Вместе с тем натюрморты с красноречивой точностью передают суровый дух времени («Селедка», «Скрипка», оба 1918).
«Натюрморт с синей пепельницей» 1920
«Натюрморт с зеркалом» 1919
«Натюрморт. Цветы и женская голова» 1921
«Мадонна с младенцем» 1923
«Портрет Мадам Боден» 1924
«Портрет Любови Михайловны Эренбург» 1924
«Эскиз грима Бориса к спектаклю » Борис Годунов» 1924
«Эскиз грима Марины Мнишек к спектаклю «Борис Годунов» 1924
«Париж. Нотр-Дам» 1924
«Натюрморт с письмами» 1925
«Работница (девушка в красном платке)» 1925
Многие произведения Петрова-Водкина построены по принципу двойной экспозиции («1918 год в Петрограде», 1920; «После боя», 1923; «Смерть комиссара», 1928), что дает повод ассоциировать его живопись с языком кинематографа.
«Девушка у окна» 1928
«Утро в деревне (весна в деревне)» Эскиз 1928
«Смерть комиссара» 1928
«Портрет Сергея Дмитриевича Мстиславского» 1929
«Яблоко и лимон» 1930
На рубеже 1920-х и 1930-х годов Петров-Водкин, вынужденный из-за болезни на время оставить живопись, вновь обратился к литературному творчеству. Именно тогда им написаны автобиографические повести «Хлыновск» и «Пространство Эвклида», в которых он широко развил свои взгляды на природу и возможности искусства.
«Натюрморт. Черёмуха в стакане » 1932
«1919 год. Тревога» 1934
Ориентация на вечные ценности, присущая творчеству Петрова-Водкина, не могла быть принята советской идеологией сталинского времени. После смерти художника его имя оказалось полузабытым. Только в середине 1960-х годов произошло новое открытие Петрова-Водкина, благодаря чему теперь ясен истинный масштаб его дарования и ценность творческого наследия.
» Кормление ребёнка»
«Портрет Андрея Белого.» 1932
«Семейный портрет (автопортрет с женой и дочерью)» 1933
«Натюрморт (Стакан чая, Чернильница и яблоко на столе)» 1934
«Натюрморт. Виноград и Яблоко» 1934
«Землетрясение в Крыму.» 1927
«Портрет дочери художника» 1935
«Девочка с куклой (портрет Татули)» 1937
«Натюрморт. Букет цветов и лампа» 1937
«Портрет ученого Леонида Витальевича Канторовича» 1938
«Пушкин в Петербурге (Пушкин на Неве)» 1937-1938
Петров-Водкин вернулся в Россию с яблоками на два дня
В Государственном музее архитектуры имени А.В. Щусева открывается краткосрочная выставка «Шедевры русского искусства на осенних аукционах Sotheby’s», на которую были отобраны произведения художников XIX и XX веков.
Организовать выставку в этом году (и тем более в эти дни) для аукционного дома – «героизм, граничащий с безумием», уверенно назвала происходящее директор музея Елизавета Лихачева. И добавила: – «это первая ласточка, первый признак того, что мы вернемся к нормальному существованию».
Только в течение двух дней 28 октября с одиннадцати утра до девяти вечера и 29 октября до двух часов дня во флигеле «Руина» можно будет увидеть картины Кузьмы Петрова-Водкина, Петра Кончаловского и Николая Рериха. Всего в Россию привезено 19 работ из 240, участвующих в торгах.
Кроме того, на выставке представлены работы советских нонконформистов из частной коллекции: аукцион советского неофициального искусства состоится 1 декабря, на следующий день после торгов русской живописи.
Топ-лотом торгов и центральным экспонатом выставки заранее определен «Натюрморт с яблоками» кисти Кузьмы Петрова-Водкина. Эксперты уверены: с этой картины начался новый этап творчества художника, когда он искал способы запечатлеть мир как целое. И в результате пришел к сферической или наклонной перспективе, благодаря которой у зрителя создается эффект присутствия.
Позже этот прием назовут отличительной чертой творчества Петрова-Водкина. «Яблоки» лишь предварили серию натюрмортов мастера 1920-х годов, обозначив основные направления его видения. В этой картине отчетливо видны поиски художника в области пространственных построений – яблоки будто парят в невесомости над столешницей. И кажется, что сила отталкивания сильнее силы земного притяжения.
История происхождения картины такова: летом 1912 года Петров-Водкин с женой гостили у генерала Петра Грекова на хуторе Мишкина Пристань Царицынского уезда. Дочь генерала Наталия училась у Кузьмы Сергеевича в художественной школе в Санкт-Петербурге, она и пригласила учителя в имение.
Там-то и были выполнены эскизы, этюды и первый вариант знаменитого «Купания красного коня», для которого позировал генеральский конь Мальчик, а всадником стал двоюродный брат художника Александр Трофимов.
В генеральском саду яблоки были «величиною с арбуз» – так описывал их художник в письме к матери. Неудивительно, что они стали «натурщиками» для картины, которая в 1914 году оказалась среди девяти работ, показанных на Балтийской выставке в Мальмё. В середине 1960-х «Натюрморт с яблоками» приобрел ученик Петрова-Водкина скульптор Борис Евсеевич Каплянский.
Также на выставке представлен «Натюрморт с чайником и подносом» Петра Кончаловского, созданный художником в начале 1910-х годов под влиянием творчества постимпрессионистов и фовистов. Сочетая композицию и палитру Сезанна с подчеркнуто русскими предметами, Кончаловский осуществил диалог между современным ему западным искусством и славянскими традициями.
Еще одним бриллиантом выставки стала картина Николая Рериха «Горница в тереме Садко», созданная художником к не случившейся постановке Сергея Дягилева и Томаса Бичема в одном из театров лондонского Ковент-Гардена. Холст Рериха иллюстрирует третью картину из либретто, когда ранним утром жена былинного новгородского гусляра Любава Буслаевна дожидается мужа, стоя у окна.
Выставляемая на торги коллекция представляет одно из крупнейших частных собраний послевоенного советского искусства, находящихся за пределами России. Здесь же представлены советские художники второй половины XX столетия: Илья Кабаков, Эрик Булатов, Дмитрий Краснопевцев, Владимир Вейсберг, Олег Целков, Олег Васильев.
Вход в Государственный музей архитектуры им. А.В. Щусева будет осуществляться только по QR-кодам.